Características de audio y video Descendente de la escalera

JEANNE DUNNING

Mi nombre es Jeanne Dunning y soy una artista. Quizás te preguntes por qué los artistas usan tan a menudo imágenes del cuerpo de las personas para hacer que el espectador piense en algo que tiene más que ver con su psicología o su vida interior. Creo que hay una razón muy simple para eso. Artistas visuales, trabajamos con la materialidad misma. Si te muestro una imagen de una roca, o incluso una roca real, ves una roca y podrías tener asociaciones con esa roca en particular; pero tan pronto como te muestro una imagen del cuerpo de una persona, reconocemos que esto es un pensamiento, un sentimiento ser como nosotros mismos, y tan inmediatamente, tan pronto como ves el cuerpo, estás pensando en la mente, estás pensando en la persona, y quiénes son, y qué es piensa. Hay una manera un poco más complicada de hablar sobre esta misma idea que es realmente interesante para mí. Esta idea de que tanto algunas de las estructuras de nuestro pensamiento como el modelo de nuestro sentido del yo que tenemos en nuestras mentes, que en realidad provienen de nuestra piel. Es la idea de que, ya sabes, desde el momento en que nacemos, estamos siendo atendidos por otras personas, ¿verdad? Y entonces estamos siendo retenidos, o envueltos en una manta suave y difusa. Como esa manta se frota contra nuestra piel, o mientras nuestros cuidadores nos abrazan, gradualmente esto nos da una sensación de la piel como un borde del cuerpo, y una sensación de que hay una diferencia entre lo que es parte de mí y lo que no es parte de mí, cuál es el resto del mundo con el que estoy interactuando. Esa noción de un contenedor, o un interior y un exterior, se convierte en una de las estructuras básicas de nuestro pensamiento. Cuando los artistas tratan de hablar sobre algunas de esas experiencias físicas literales que tenemos en el mundo, estamos hablando de cosas literales, físicas, pero al mismo tiempo, esas cosas funcionan naturalmente como metáforas psicológicas porque nuestras mentes se basan en estas experiencias físicas. Me parece muy interesante, y creo que esa es una razón real por la que el cuerpo se convierte en un vehículo realmente interesante, y eficaz para hablar sobre nuestras existencias físicas y nuestra psique al mismo tiempo.

JEANNE DUNNING

Mi nombre es Jeanne Dunning y soy una artista. Tal vez te preguntes por qué los artistas tan a menudo utilizan imágenes de cuerpos de personas para hacer que el espectador reflexione sobre algo que tiene más que ver con su psicología o su vida interior. Creo que hay una razón muy simple para eso. Los artistas visuales están en la misma materialidad. Si te muestro una imagen de una roca o incluso una roca real, tú ves una roca y puedes tener asociaciones con esa roca en particular, pero tan pronto como muestro una imagen del cuerpo de una persona, reconocemos que esto es un ser pensante, sintiente como nosotros. Y así, inmediatamente, tan pronto como ves el cuerpo, estás pensando en la mente. Estás pensando en la persona, quiénes son y qué piensan. Hay una manera ligeramente más complicada de hablar sobre esta misma idea que realmente me resulta interesante. Esta idea de que algunas de las estructuras de nuestro pensamiento y el modelo de nuestro sentido del yo que tenemos en nuestras mentes, en realidad son de nuestra piel. Es la idea de que, ya sabes, desde que nacemos, somos cuidados por otras personas, ¿verdad? Y así nos devengo a una manta suave y peluda. A medida que esa manta roza nuestra piel o mientras nos cuidamos, poco a poco, esto nos da una sensación de la piel como un límite del cuerpo, y la sensación de que hay una diferencia entre lo que es parte de mí y lo que no es parte de mí, lo que es el resto del mundo con lo que estoy interactuando. Esa noción de un contenedor o un adentro y un afuera se convierte en una de las estructuras básicas de nuestro pensamiento. Cuando los artistas intentamos hablar sobre algunas de esas experiencias físicas literales que tenemos en el mundo, estamos hablando de cosas físicas literales, pero al mismo tiempo, esas cosas funcionan naturalmente como metáforas sicológicas porque nuestras mentes se basan en estas experiencias físicas. Encuentro eso realmente interesante y creo que es una razón real por la que el cuerpo se convierte en un vehículo muy interesante y efectivo para hablar tanto de nuestras existencias físicas como de nuestras psiques al mismo tiempo.

NICK CAVE

Mi nombre es Nick Cave y soy un artista. Bueno, creo que mi cuerpo es un objeto, así que uso mi cuerpo en mi trabajo todo el tiempo. Para mí es como un pincel, o es el cuerpo, la escultura en el espacio. Puede ser cualquier cosa que quieras que sea. Siempre he visto el cuerpo como este tipo de vehículo, algo sobre lo que podemos construir, podemos construir alrededor. Entonces, puede ser el instigador. Podría ayudar a movilizar un objeto. Tiene la capacidad de trabajar en la forma en que funciona un camaleón; que no es ni esto ni aquello, pero cuando necesita actuar, puede. Bueno, ya sabes, cuando miro el Hair Bag de Ed Paschke, solo el título en sí es algo interesante, y luego pienso en la forma en que se llevan las bolsas y este tipo de conexión e intersección constante entre la bolsa y el cuerpo. Es algo que llevas contigo todos los días, por lo que se convierte en esta extensión del cuerpo. Esto es solo otro brazo, elemento, sin el que no puedes salir de casa. Ya sabes, guarda tu identidad, todo tu tipo de pertenencias personales, y así, que todo se convierte en parte de este tipo de ADN. Sabes, solo voy a usar un traje de sonido, por ejemplo, que es una de mis obras escultóricas, ya sabes, ¿cómo te rindes a este tipo de momento de aceptación? ¿Cómo permites que algo entre en tu espacio? ¿Cómo te asocias con algo? Sabes, ¿qué dejas ir para algo, para permitir que algo entre? ¿Lo llevo o lo llevo puesto? ¿Lo estoy sosteniendo? ¿Lo estoy tirando? ¿Está limitando mi movimiento? Sabes, tengo que venir de par en par a recibir la experiencia que luego se va a desarrollar y empezar a contarme.

NICK CAVE

Me llamo Nick Cave y soy artista. Bueno, creo que mi cuerpo es un objeto, uso mi cuerpo en mi trabajo todo el tiempo. Para mí, es como un pincel es el cuerpo, la escultura y el espacio. Puede ser lo que uno quiera. Siempre he visto el cuerpo como una especie de vehículo, algo sobre lo que podemos construir, podemos construir alrededor. Por lo tanto, puede ser el instigador, puede ayudar a impulsar un objeto. Tiene la capacidad de trabajar en la forma que trabaja un camaleón, que no es esto ni esto, pero cuando tiene que actuar, puede hacerlo. Bueno, ya sabes, cuando miro “Hair Bag” de Ed Paschke. sólo el título en sí es interesante, y luego pienso en la forma en que se llevan las bolsas y esta especie de conexión constante e intersección entre la bolsa y el cuerpo. Es algo que lleva contigo todos los días, por lo que se convierte en esta extensión del cuerpo. Esto es solo otro brazo, elemento, sin el que no puedes salir de casa, contiene tu identidad, tus pertenencias personales, y así, todo se convierte en parte de este tipo de ADN. Voy a usar un sonido por ejemplo, que es una de mis obras escultóricas. ¿Cómo te rindes a esta especie de momento de aceptación? ¿Cómo permite que algo entre en tu espacio? ¿Cómo se lo va a hacer con algo? ¿De qué te desprendes para que algo para que algo entre? ¿Lo llevo el traigo puesto? ¿Lo sostengo? ¿Estoy tirando de ello? ¿Está limitando mi movimiento? Ya sabes, tengo que abrirme de par en par para recibir la experiencia que luego se desplegará y comenzó a decirme.

INGRID OLSON

Mi nombre es B. Ingrid Olson, y soy una artista que vive en Chicago. Projection, Body Parsed es una obra de arte que se hizo en 2018. Es un trabajo de siete partes, y cuelga en una variedad de alturas colgantes para hacer referencia a diferentes partes del cuerpo. Están fragmentados, pero también se pueden reorganizar. Hay un conjunto de instrucciones que vienen con este trabajo. Tienen libertad en ciertas áreas y son muy restrictivas en otras. Hay diagramas que sugieren dónde se supone que debe estar colgada cada parte, pero se supone que debe estar de acuerdo con el cuerpo de un instalador, no necesariamente yo como artista. Básicamente, la apertura es que se puede colgar en cualquier permutación en términos de orden y distancia entre las obras. Y entonces, hay un sinfín de iteraciones que este trabajo puede tomar, pero solo tiene que mantener la estatura de una persona parada frente a él. Al medir la altura de suspensión, al menos cuando lo cuelgo, en realidad presiono mi cuerpo contra la pared para medir dónde están mis hombros, dónde están mis caderas, dónde están mis espinillas. No es exacto y no hay pulgada a pulgada, pero en cierto modo se convierte en una especie de impresión corporal real en la pared. Hay un artista que solía vivir en Chicago llamado Gordon Hall, que escribió un texto increíble llamado Why I Don't Talk About The Body, y cambió por completo la forma en que pienso sobre esto. Y es esencialmente que cuando dices “el cuerpo”, se depara a todos los cuerpos cuando todos los cuerpos son muy diferentes y contienen diferentes habilidades, diferentes estaturas, diferentes enfoques del mundo, diferentes orientaciones. Así que, carecer de esa especificidad desinfla cualquier cosa que tenga que ver con el cuerpo de alguien. Así que, en realidad, como poner tal vez el sujeto de nuevo en un cuerpo en lugar de llamarlo “el cuerpo”.

INGRID OLSON

Mi nombre es B. Ingrid Olson, y soy una artista que vive en Chicago. “Proyección, cuerpo parseado” es una obra de arte que fue realizada en 2018. Es una obra de siete partes y cuelga en una variedad de alturas para hacer referencia a diferentes partes del cuerpo. Están fragmentados, pero también se pueden reorganizar. Este trabajo viene con un conjunto de instrucciones. Tienen albedrío libre en zonas. y son muy restrictivos en otros. Hay diagramas que dicen dónde debería colgarse cada parte, pero se supone que depende del cuerpo de un instalador, no necesariamente de mí como artista. Básicamente, la apertura es lo que se puede colgar en cualquier permutación en tanto el ordenamiento y la distancia entre las obras. Hay una cantidad infinita de iteraciones que este trabajo puede tener, pero solo tiene que mantenerse la estatura de una persona parada frente a él. Al medir la altura para colgar, al menos cuando yo estoy colgando, presiono mi cuerpo contra la pared para medir dónde están mis hombros, donde están mis hombros, donde están mis espinillas. No es exacto, no es una medición centímetro a centímetro, pero termina siendo una especie de impresión corporal real en la pared. Hay un artista que ha estado en Chicago, llamado Gordon Hall, que ha publicado un texto increíble llamado “Por qué no hablo del 'cuerpo'”, y cambió completamente la forma en que pienso sobre esto. En este caso, dice que cuando dice “el cuerpo”, termina reemplazando a todos los cuerpos, cuando todos los cuerpos son muy diferentes y contienen diferentes habilidades, diferentes estaturas, diferentes enfoques del mundo, diferentes orientaciones. Entonces, esa específica carrera elimina el propósito de cualquier cosa que se pueda hacer con el cuerpo de alguien. Así que esto es como poner el sujeto nuevamente en un cuerpo en lugar de llamarlo 'el cuerpo'.

MAX GUY

Mi nombre es Max Guy y soy un artista visual con sede en Chicago. Tengo un video en la exposición llamado Problem Machine (¿Cómo es estar muerto? ¿Cómo es morir?). Creo que la acción es una especie de expresión voluntaria de ti mismo. La acción aparece en mi práctica en videos como este, donde pienso en mis propias experiencias subjetivas y trato de hacerlas objetivas. Por ejemplo, el video de Howardena Pindell es una especie de expresión vocal de experiencias de vida. La acción se presenta en el trabajo de Bruce Naumann. Él es el artista que ha dicho que todo lo que haces en tu estudio es arte, y esta es quizás una de sus expresiones más agresivas de eso. Esos dos se destacan para mí como demostraciones particulares de acción. Exigen tu atención, y también ofrecen algunos elementos de la vida, gustos, estética de ambos artistas y un verdadero tipo de cuestionamiento del medio. Creo que los artistas están obligados a documentarse a sí mismos en video probablemente porque tienen acceso a él. De la misma manera que tienen acceso a una cámara para hacer autorretratos, el acceso al medio permite una extracción cercana del yo. Y también ha cambiado tanto la forma en que nos relacionamos entre nosotros que realmente es una especie de interés para los artistas que lo usan. Considere la sinergia entre la caminata angulada de Bruce Naumann y el trabajo de Carrie Mae Weems en la exposición; ambos exigen cierta paciencia y, ante todo, que el espectador simplemente mire a ambos artistas en contexto. Pero incluso antes de cualquier tipo de contexto sociopolítico, la politización de sus cuerpos o sus personas, solo están diciendo: “Míreme. Estoy aquí”. Piden a la audiencia que considere lo que significa estar presente.

MAX GUY

Mi nombre es Max Guy y soy un artista visual con sede en Chicago. Tengo un video en la exposición llamada “Máquina de Problema”, y en paréntesis, Creo que la acción es una especie de expresión voluntaria de uno mismo. La acción se hace manifestada en mi práctica en videos como este donde reflexiono sobre mis propias experiencias subjetivas y trato de convertir en objetivos. Por ejemplo, el video de Howardena Pindell es una especie de expresión vocal de experiencias de vida. La acción se presenta en la obra de Bruce Naumann. Usa el artista que ha dicho que todo lo que haces en tu estudio es arte, y esto es quizás una de sus expresiones más agresivas de eso. Esos dos se me retienen como demostraciones particulares de acción. Eigan tu atención y también ofrecen de manera especial algún elemento de las vidas, gustos, estéticas y una verdadera interrogación del medio. Creo que los artistas se hacen sentir en la lista de documentarse en video, porque tienen acceso a ello de la misma manera que tienen acceso a una cámara para hacer autorretratos. El acceso al medio permite una exploración cercana a ti, y también ha cambiado la forma en que nos relacionamos entre nosotros tanto que realmente solo apela a los artistas que utilizan. Considera la sinergia entre el caminar inclinado de Bruce Naumann y el trabajo de Carrie Mae Weems en la exposición. Ambos solicitan cierta paciencia y ante todo, que el espectador simplemente mire a ambos artistas en contexto, pero incluso antes de cualquier tipo de contexto sociopolítico, la politización de sus cuerpos o sus personas, simplemente están diciendo, “Mirame. Estoy aquí.” Le piden a la audiencia que considera lo que significa estar presente.