El final de la vida
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Jamillah James: Bienvenido a The Living End: Pintura y otras tecnologías. Soy Jamillah James, curadora senior de Manilow en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Este recorrido de audio le guiará a través de la exposición. A lo largo del camino, escucharéis de mí y de una variedad de artistas en la exposición. Busque el gráfico del recorrido de audio en cada espacio para comenzar la siguiente sección.

The Living End es una exposición de y sobre pintura. A lo largo de aproximadamente 50 años, ¿cómo ha cambiado la pintura el desarrollo de la tecnología, la fotografía y los nuevos medios?

Echemos un vistazo juntos a los artistas que forman parte de The Living End.

[música]

Cheryl Donegan: ¿Dónde existe la pintura? ¿Existe en el lienzo? ¿Existe en el cuerpo? ¿Existe en la pantalla? ¿Podría existir en la pantalla?

Ken Okiishi: Es un conjunto de cosas brillantes que producen, a través de tres o cuatro colores, una infinidad de ventanas en cualquier lugar y en cualquier momento que pueden cambiar y transformarse.

Cynthia Daignault: Así que en cada uno de esos momentos de innovación tecnológica, se plantean nuevas preguntas a la pintura, y la pintura responde. Presenta nuevas formas de ver el mundo y la pintura responde. En cada momento, los artistas supieron utilizar los avances tecnológicos para ver el mundo de otra manera y eso se refleja en la pintura.

Jamillah James: Bienvenides a Viviendo el fin de los tiempos: pintura y otras tecnologías. Soy Jamillah James, la curadora en jefe Manilow del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Esta es una audioguía que te llevará por la pantalla. A lo largo de este recorrido, escucharás mis palabras y las de varios artistas que aparecen en la exhibición. Si quieres ir a la siguiente sección, busca el símbolo de la audioguía.

Viviendo el fin de los tiempos es una exhibición sobre la pintura y la práctica de esta. Una que se hace la siguiente pregunta: con el desarrollo de la tecnología, la fotografía y los nuevos formatos, ¿cómo ha cambiado, a lo largo de los últimos 50 años, la pintura?

Vemos y escuchamos a los artistas que forman parte de Viviendo el fin de los tiempos.

[montaje de clip + tema de audio TLE]

Cheryl Donegan: ¿Dónde existe la pintura?, ¿en el lienzo?, ¿en el cuerpo? ¿en la tela?… ¿puede la pintura existir en una pantalla?

Ken Okiishi: Es un conjunto resplandeciente de cosas que se producen a través de tres o cuatro colores, una infinidad de ventanas en cualquier lugar que, en cualquier momento, pueden que se desplacen y cambien.

Cynthia Daignault: Así, en cada uno de esos momentos de innovación tecnológica se plantean nuevas preguntas a la pintura; y esta les responde. Y cuando se presenta una nueva forma de ver el mundo, la pintura también responde a esto. Los artistas, en cada uno de estos momentos, han sido capaces de utilizar los avances tecnológicos para ver el mundo de otra manera, y eso se refleja en la pintura.

Jamillah James: Las primeras computadoras y cosas como la máquina Xerox alguna vez solo estaban disponibles para investigadores, científicos y personas que trabajaban en universidades. Cuando estos medios se volvieron un poco más accesibles para los artistas y otros como ellos, realmente se abrieron las posibilidades de crear nuevas formas de arte. Esta primera parte de la exposición se centra realmente en cómo los artistas utilizan estas tecnologías para generar nuevas ideas en cuanto a la producción de imágenes.

Leon Harmon fue un investigador y colaboró con Ken Knowlton, quien era un artista y uno de los primeros defensores del arte informático. Trabajaron juntos en colaboración con una organización llamada Experimentos en Arte y Tecnología, que fue cofundada por el notable artista Robert Rauschenberg. Juntos realizaron una obra llamada Computer Nude , que es un retrato de una mujer reclinada realizado completamente con caracteres ASCII. ASCII es el Código Estándar Americano para el Intercambio de Información, y es un precursor de los emojis que conocemos y usamos hoy en día, una serie de signos de puntuación y otros glifos que se unen para formar una imagen.

Otros adoptaron un enfoque menos institucional. Escuchemos a Barbara T. Smith contarnos cómo comenzó a utilizar una de las primeras máquinas Xerox. Su obra es la gran pieza naranja que se muestra en esta galería.

Barbara T. Smith: Bueno, la litografía, los grabados al aguafuerte y los grabados son todas tecnologías de épocas anteriores y ese género de arte, sin embargo, es interesante. Los artistas han tomado una tecnología que normalmente se utiliza para difundir información al público y la han convertido en una tecnología que permitirá crear obras de arte originales. Y entonces pensé: “¿Cuál es la tecnología de nuestra era?” Y pensé: “Máquinas de negocios”.

Ya sabes, alquilé una máquina Xerox de nueve por catorce pulgadas y la puse en mi comedor alrededor de 1965, 1966 o algo así. Y pasé al menos ocho o nueve meses recorriendo mi casa y encontrando cosas interesantes y raras para fotocopiar y convertir en obras de arte.

Jamillah James: Las primeras computadoras y aparatos como las fotocopiadoras sólo estaban al alcance de investigadores, científicos y personas trabajando en universidades. Cuando estas cayeron en las manos de artistas y otros creativos, aparecieron nuevas formas de hacer arte. Esta primera parte de la exhibición se centra en cómo los artistas utilizan estas tecnologías para crear nuevas ideas sobre la producción de imágenes.

Leon Harmon era investigador y colaboraba con Ken Knowlton, un artista y uno de los primeros promotores del arte computacional. Estos trabajaron juntos en colaboración con una organización llamada Experimentos en Arte y Tecnología, que fue cofundada por el reconocido artista, Robert Rauschenberg. Juntos crearon una obra titulada Desnudo computarizado, que es el retrato de una mujer recostada hecha completamente con caracteres ASCII. ASCII es el Código Estándar Americano para el Intercambio de Información. Precursor de los emojis que conocemos y usamos hoy en día, este es una serie de signos de puntuación y otros símbolos que se unen para formar una imagen.

​Otros adoptarán un enfoque menos institucional. Bárbara T. Smith nos cuenta cómo empezó a utilizar una de las primeras máquinas Xerox. Su obra es la gran pieza anaranjada de esta galería.

Barbara T. Smith: Bueno, la litografía, los aguafuertes y los grabados son tecnologías de épocas anteriores; un género de arte, sin duda, interesante. Resulta que los artistas toman una tecnología que normalmente se utiliza para difundir información al público y la convierten en una tecnología para hacer obras de arte originales. Así que una vez pensé: “¿Cuál es la tecnología de nuestra era?” Y me dije: “Las máquinas de empresas de negocios”.

Alquilé una gran máquina Xerox de 9×14 y la puse en mi comedor. Esto sucedió alrededor de 1965, o 66, más o menos. Y pasé al menos ocho o nueve meses caminando por mi casa y encontrando cosas interesantes y extrañas para fotocopiarlas y convertirlas en obras de arte.

Jamillah James: La llegada del televisor realmente cambió las reglas del juego. Aquí tenéis este dispositivo que hasta ese momento no había sido concebible que llegase al hogar medio. La gente entonces tuvo una vía para experimentar una nueva forma de cultura mediática, no sólo leyendo periódicos para obtener información, sino viéndola en vivo y en color en su sala de estar. La gente pudo experimentar las noticias, las comedias de situación, todas estas formas diferentes que realmente no existían en ese momento, excepto quizás en la radio. Pero ahora la gente puede ver estas cosas a diario. Esto también cambió la forma en que los artistas comenzaron a interactuar con la cultura mediática, ya que tenían una nueva superficie a considerar o nuevas formas de información para pensar e incorporar a su trabajo.

Tomemos como ejemplo el trabajo de Howardena Pindell. Es conocida por sus pinturas grandes y coloridas que presentan pequeños agujeros y números escritos a mano. Su serie Video Dibujos se exhibe en esta galería. Son fotografías del tamaño de una pequeña pantalla de televisión.

Howardena Pindell: Compré un televisor a color y sabía que iba a ver algo en movimiento, así que lo puse a cierta distancia y me aburrí mucho del televisor.

Entonces, por alguna razón, no sé qué pasó, simplemente compré acetato y tinta de acetato. Utilicé un bolígrafo normal, ya sabes, de esos que tienen una punta que se puede sacar. Y comencé a escribir números y vectores y a poner pequeños puntos y cosas así, y descubrí que el acetato, cuando lo ponías contra una pantalla de televisión, la estática hacía que se pegara.

Así que no tuve que pegarlo con cinta adhesiva ni nada.

Tenía una cámara y un trípode, y lo que necesitaba era un cable disparador para no moverme, ya sabes, y comencé a tomar fotografías.

Jamillah James: Sin duda, la llegada de la televisión fue un cambio determinante. Se trataba de un aparato que, hasta ese momento, no se pensaba que llegaría al hogar promedio. Entonces, la gente tuvo la oportunidad de experimentar una nueva forma de cultura audiovisual, no sólo leyendo periódicos para informarse, sino viendo las noticias en vivo ya todo color en el salón de su casa. Así la gente pudo ver eso, las noticias, las comedias, y todos esos formatos que no existían realmente en ese momento, excepto tal vez en la radio. Y a partir de ahí la gente puede ver estas cosas a diario. Esto también cambió la forma en que los artistas comenzaron a interactuar con la cultura multimedia, ya que tenían una nueva zona para tener en cuenta. O nuevas formas de información para reflexionar e incorporar a su trabajo.

Por ejemplo, las obras de Howardena Pindell. Este artista es conocido por sus grandes y coloridas pinturas con pequeños agujeros y números manuscritos. Su serie, Dibujos en video, se encuentra en esta galería. Son fotografías del tamaño de una pequeña pantalla de televisión.

Howardena Pindell: Compré un televisor a color, y yo, bueno, yo sabía que iba a ver algo en movimiento, así que lo puse a una distancia de mí, y debo decir que me aburrí mucho con el televisor.

Así que, por alguna razón… bueno, no sé lo que pasó a continuación. Compré acetato y tinta de acetato. Utilicé un lapicero normal, ese tipo de lapicero de dibujo con una punta, ese que se extrae. Y empecé a escribir números y vectores y poner pequeños puntos y así sucesivamente. Y me di cuenta de que el acetato, cuando lo pone contra una pantalla de televisión, se queda pegado por la estática.

Así que no tuve que ponerle cinta ni nada.

Tenía una cámara y un trípode, y me di cuenta de que necesitaba un cable disparador para no causar ningún movimiento. Y así, simplemente, empécé a tomar fotos.

Jamillah James: La cámara de vídeo abrió todo un mundo de posibilidades para los artistas. Cuando la cámara de vídeo se hizo más accesible, los artistas no sólo pensaban en la performance en relación con sus propios cuerpos, sino también en la performance en relación con otros medios. La pintura y el vídeo a menudo han mantenido una rivalidad amistosa o una relación incómoda entre sí. Y algo que quería destacar en esta exposición era cómo los artistas que trabajan en video y performance realmente comentaban sobre la pintura como práctica y también sus misterios, sus mitologías, sus problemas y poniendo sus cuerpos en conversación con esto de varias maneras.

Escuchemos cómo lo ve la artista Leidy Churchman. Sus tratamientos de pintura se están reproduciendo en los monitores de esta galería.

Leidy Churchman: Sí. Creo que la pintura al óleo es la herramienta y la tecnología más increíble que existe. Cuanto más nos involucramos con la tecnología en nuestra vida cotidiana, más extraña se vuelve la pintura.

Hay algo con el vídeo. Hay una gratificación instantánea. Me rogaba que probara cosas de forma impulsiva.

Cuando traes un cuerpo, consigues cosas... No sé. Las cosas se ponen políticas. Se ponen incómodos. Te hace sentir incómodo. No puedes apartar la mirada cuando hay un cuerpo. Es muy, muy interesante.

Podrás ver Tratamientos de Pintura e imaginarte realizándolos. Eres parte de ello cuando lo ves. Es como estar en un campamento y jugar.

Jamillah James: La cámara de vídeo abrió todo un sinfín de posibilidades artísticas. Justo cuando esto se hizo un poco más accesible, los artistas no solo estaban pensando en la performance en relación con sus propios cuerpos, sino también en la performance en conexión con otros medios. La pintura y el vídeo han tenido a menudo una rivalidad amistosa o relación incómoda. Y algo que yo quería destacar en esta exhibición era cómo los artistas de vídeo y performance comentan sobre la práctica de la pintura y lo misterioso que es esta, así como sus mitologías y problemáticas. Y en base a eso, la forma en que estos artistas se sitúan a sus cuerpos en diversas conversaciones con esta práctica.

Escuchemos lo que dice la artista Leidy Churchman. Sus obras Tratamientos de pintura se pueden ver en los monitores de esta galería.

Leidy Churchman: Sí, creo que la pintura al óleo es la herramienta y la tecnología más increíble que existe. Cuando más se involucra uno en el día a día con la tecnología, más extraña se vuelve la pintura.

Hay algo interesante en el vídeo. Una gratificación instantánea. Es un formato que me incitó a probar cosas de forma impulsiva.

Cuando introduce un cuerpo, se vuelve todo un poco. . . nariz. Como que todo se pone político. Hay algo molesto. Algo que te hace sentir incómodo. No puedes apartar la mirada cuando hay un cuerpo. Esto es muy, muy interesante.

Si ves Tratamientos de pintura te puedes imaginar que estás creándolos. Al observarlos, te vuelven partes de estos. Es como ir a un campamento a jugar.

Cheryl Donegan: Mi nombre es Cheryl Donegan. Soy un artista He hecho vídeos en el pasado y he seguido haciéndolo durante varios años. Ahora me dedico a pintar. Pero también hago ropa.

Bueno, Whoa Whoa Studio fue una especie de fruto de impulsos entrelazados. Estaba esperando mi primer hijo y esto fue en el 98, 99 durante ese embarazo.

En aquella época, había un anuncio en un autobús en el que aparecía una mujer embarazada de Evian, con su hijo mayor besándole la barriga. Y luego este es un tipo de ciclo de pureza y nutrición del agua limpia. Y yo pensé, sí, no me identifico. Entonces pensé, realmente quería entrar allí con, estas son mis ambivalencias. Obviamente he elegido tener un hijo, pero todavía tengo dudas al respecto. ¿Cómo me afectará esto? ¿Cómo navegaré en este mundo? ¿Seré diferente? ¿Cambiaré irrevocablemente? ¿Seré un extraño para mí mismo, en esa forma grotesca o monstruosa? ¿Qué he hecho?

Pero aparte de eso, también se trata de sentir realmente la sensación de migración de las imágenes a la pantalla y preguntarse cuál es la superficie apropiada para pintar en ese momento, a finales del siglo XX. ¿Donde existe la pintura? ¿Existe en el lienzo? ¿Existe en el cuerpo? ¿Existe en la pantalla? ¿Podría existir en la pantalla? Y hay una serie de vídeos en los que juego con esta idea de la superficie como una barrera, tanto opaca como transparente, y la metaforizo un poco con la piel, que es una barrera transparente en sí misma.

Un cuadro siempre ha sido un seductor o una seductora, y seduce a las cosas hacia su cuerpo.

Y me parece una metáfora muy mística porque significa que no es necesario que haya ninguna barrera ni ninguna muerte porque se trata de dejar que algo crezca. Y entonces es un rechazo a la muerte cuando dejas que alguien entre en tu cuerpo. Esta pidiendo ser cambiado. Esta pidiendo ser cambiado. Y creo que es hermoso dejar que alguien cambie tu cuerpo por elección propia.

Cheryl Donegan: Me llamo Cheryl Donegan. Soy artista. Hola videos en el pasado, durante mucho tiempo. Ahora pinto. Aunque también confecciona ropa.

Bueno, la obra Estudio epa epa fue el resultado de varios impulsos entrelazados. Yo estaba esperando a mi primer hijo, y esto fue en el 98, o el 99, durante ese embarazo.

En aquella época había un anuncio para Evian, en los autobuses, de una mujer muy embarazada, ya sabes, con su hijo mayor besándole la barriga. Y también había algo relacionado con el que el agua limpia es una especie de ciclo de pureza y nutrición. Mi reacción era como que, bueno, yo no me identifico con eso para nada. Entonces me dieron ganas de explorar eso usando mis ambivalencias. Porque obviamente yo elegí tener un hijo… aunque igual sigo siendo ambivalente. ¿Cómo me afectará ser madre? ¿Cómo voy a navegar por este mundo? ¿Será diferente? ¿Voy a cambiar irrevocablemente? ¿Me voy a volver tan extraña para mí misma que me convertiré en algo grotesco o monstruoso? ¿Qué me ha hecho?

Y aparte de eso, también se trata de sentir realmente esa sensación de migración de las imágenes a la pantalla, de preguntarnos cuál es la superficie apropiada para la pintura en aquel momento, a finales del siglo XX. ¿Dónde existe la pintura?, ¿en el lienzo?, ¿en el cuerpo?, ¿en la pantalla? ¿Puede existir la pintura en una pantalla? Y hay una serie de vídeos en los que juego con la idea de la superficie como una barrera, opaca y transparente a la vez. Y vuelvo esto en una metáfora usando la piel, que es en sí misma una barrera transparente.

Una pintura siempre ha sido un seductor o una seductora. Una que seduce cosas hacia su propia corporalidad.

Me parece que esta es una metáfora muy mística ya que no hay barreras ni muerte; se trata de dejar entrar algo para que crezca. Cuando dejas que alguien entre en tu cuerpo rechazando estás a la muerte. Estás pidiendo que te cambien. Estás pidiendo que te cambien. Y yo creo que dejar que alguien cambie tu cuerpo por voluntad propia es algo hermoso.

Jamillah James: Inicialmente, cuando llegó la fotografía, la gente pensó automáticamente que reemplazaría a la pintura. Sin embargo, como hemos visto desde la década de 1960, ese no ha sido el caso en absoluto. Los artistas han adoptado la fotografía como material fuente para sus propias pinturas o también han utilizado un estilo fotográfico hiperrealista para reproducir imágenes, ya sea del mundo real, escenas con las que están familiarizados, escenas históricas del arte, etcétera.

Escuchemos cómo la artista Cynthia Daignault aborda su pintura. Su obra es el conjunto de 24 paisajes en una estantería. Se llaman At Picture Lake (tal como te sientes cuando miras el río y el cielo).

Cynthia Daignault: Pasé por el Parque Nacional North Cascades y descubrí este lugar, Picture Lake.

Los guardaparques lo llamaron Picture Lake porque presenta esta escena del perfecto paisaje vernáculo del oeste americano.

Se llama Picture Lake porque es un lugar que se presenta como la fotografía perfecta.

Cuando piensas en pintura de paisajes, piensas en la pintura de paisajes americana. Piensas en la Escuela del Río Hudson y piensas en escenas panorámicas clásicas de la naturaleza prístina estadounidense.

Entonces, en 2024, ¿veo el paisaje como un espacio profundo, panorámico y romántico, o lo veo más como una colección de imágenes separadas?

¿Cómo vemos la naturaleza hoy? ¿Cómo nos relacionamos con la naturaleza? ¿Cómo lo entendemos? ¿Y cómo existen nuestros cuerpos en ese espacio?

Los pintores pintan del natural. Y me considero siempre como alguien que pinta del natural. Y el hecho de que pinte a partir de una fotografía en lugar de pintar sólo a partir de un árbol se debe a que todos pasamos más tiempo mirando fotografías que árboles.

Jamillah James: Al principio, cuando llegó la fotografía, la gente pensó automáticamente que sustituiría a la pintura. Sin embargo, como hemos visto desde la década de 1960, ese no ha sido el caso en absoluto. Los artistas han usado la fotografía como material de partida para sus propios cuadros, o también utilizando un estilo fotográfico hiperrealista para representar imágenes, ya sean del mundo real, escenas que les resultan familiares, escenas históricas artísticas, etcétera.

Escuchemos cómo la artista Cynthia Daignault concibe sus pinturas. Su obra es el conjunto de 24 paisajes que ves sobre una repisa. Se llaman En el lago fotográfico (tal como se siente cuando se mira en el río y el cielo).

Cynthia Daignault: Pasé por el Parque Nacional de las Cascadas del Norte y descubrí este lugar, el lago Fotográfico.

Los guardabosques le pusieron al lago el nombre Fotográfico porque presenta una escena de un paisaje vernáculo y perfecto del oeste de Estados Unidos.

Se llama Picture Lake porque es un lugar que se presenta como la fotografía perfecta.

Cuando uno piensa en la pintura paisajista, piensa en la de Estados Unidos. Piensa en la Escuela del Río Hudson. Y piensa en esas clásicas escenas panorámicas, aquellas de los prístinos espacios naturales estadounidenses.

Así que, en 2024, comienzo a ver el paisaje como un espacio de enfoque profundo, panorámico y romántico. O decimos que lo veo más como una colección de imágenes separadas.

¿Cómo vemos la naturaleza hoy?, ¿cómo nos relacionamos con ella?, ¿cómo la entendemos?, ¿y cómo se mueven nuestros cuerpos a través de ese espacio?

Los pintores pintan a partir de la vida. Y en mi caso yo siempre pinto a partir de la vida. Y el hecho de que pinte a partir de una fotografía, en lugar de pintar simplemente a partir de un árbol, se debe a que todos pasamos más tiempo mirando fotografías que árboles.

Jamillah James: La historia de la pintura ha visto diferentes tropos a lo largo del tiempo. El retrato aristocrático, una pintura hecha de una persona rica o de medios, el paisaje, capturando la naturaleza en su máxima expresión o en su faceta más aterradora, la naturaleza muerta, el desnudo y también las pinturas religiosas o históricas que son esas epopeyas envolventes que los pintores capturaron o imaginaron.

Los artistas están trabajando actualmente y lo han hecho históricamente, a través de estos tropos, para desempacarlos, torcerlos, subvertirlos, corromperlos de alguna manera, para abrir realmente estas ideas que eran realmente limitadas en cómo se lograron, para hacerlas un poco más expansivas, un poco más democráticas...

Cerca hay pinturas de Celia Hempton. Escuchemos a Celia hablar sobre sus inspiraciones y motivaciones para hacer estas pinturas.

Celia Hempton: Obviamente, en los retratos históricos que conocemos o que han sido historicizados, vemos muchos de los mismos tipos de dinámicas de poder y la misma mirada, es decir, a menudo una persona-objeto femenina o ligeramente subyugada, objetivada, y luego un observador o mirada masculina heterosexual. Y me pregunté si había una manera de complicar eso o alterar ese tipo de dinámica que se ve en el lienzo. Pero tengo que decir que lo que me pareció más interesante de esta serie es que siempre hay algo que altera ligeramente cualquier narrativa o dinámica simple que pensé que pudiera haber.

Sí, creo que hay momentos, momentos fugaces de intimidad extrema y luego como un retroceso a algo mucho más frío en una fracción de segundo, lo que creo que es muy indicativo de nuestra experiencia en línea en general.

Jamillah James: La historia de la pintura ha tenido diferentes tropos a lo largo del tiempo. Por ejemplo, el retrato aristocrático o pinturas sobre personas adineradas, aquellos paisajes que capturan la naturaleza en su mejor momento o en el más aterrador, el bodegón, el desnudo, así como las pinturas religiosas o históricas, que son esas grandes epopeyas que los pintores. capturaban o imaginaban.

Históricamente, y en la actualidad, los artistas crean a partir de estos tropos, los desempacan, retuercen, subvierten, los corrompen de alguna manera, para así realmente abrir estos tropos, esos que eran muy estrechos en la forma en que se realizaban, para Hazlo un poco más expansivos, un poco más democráticos. . .

Cerca de aquí hay obras de Celia Hempton. Escuchemos a Celia hablar de sus inspiraciones y motivaciones al realizar estas pinturas.

Celia Hempton: Obviamente, en los retratos históricos que conocemos, o que se han vuelto parte de la historia, vemos muchos de los mismos tipos de dinámicas de poder y miradas; es decir, a menudo una mujer o una persona ligeramente subyugada, objetualizada, y luego un observador o la mirada masculina. Me pregunté si habría alguna forma de complicar o alterar esas dinámicas que se ven en el lienzo. Debo decir que lo que me parece más interesante de esta serie, es que siempre hay algo que discretamente interrumpe lo que pensé era una narrativa o dinámica sencilla.

Sí, creo que hay momentos, momentos fugaces de extrema intimidad, y luego viene como un retroceso hacia algo mucho más frío, todo esto en una fracción de segundo. Esto es muy indicativo, en general, de nuestra experiencia en Internet.

Jamillah James: Las computadoras de hoy son radicalmente diferentes a aquellas que inspiraron a los artistas en la parte anterior de esta exposición, en el sentido de que ahora las computadoras están en todas partes. Ahora mismo tienes una computadora en tu bolsillo con tu teléfono. Tienes computadoras en casa. No podemos escapar de las computadoras: están en todas partes. Esto realmente ha impactado la forma en que los artistas interactúan con ellos y tienen el lujo de tenerlos en todas partes. No solo pueden usar las computadoras como herramientas, sino que también pueden hacer referencia a las formas en que las computadoras han impactado la cultura visual...

El trabajo de Ken Okiishi realmente piensa en los aspectos táctiles y estéticos de la pantalla en nuestras vidas en una serie llamada gesto/datos (retroalimentación).

Ken Okiishi: Hay un díptico de dos pantallas que son lienzos que se mueven constantemente, y luego notas que la pintura está de tu lado de la pantalla.

Cada vez que veo la obra en persona, siempre lo experimento como placer, una especie de reconocimiento de que la posibilidad de tocar algo en nuestro, es decir, el exterior de la pantalla, y el tipo de luz, imagen y espacio cerebral dentro de la pantalla, que pueden suceder al mismo tiempo, siempre lo experimento muy... Es una pintura. Es una cosa que las pinturas hacen que otras cosas, de un modo extraño, no hacen.

Jamillah James: Las computadoras de hoy son radicalmente diferentes de las que inspiraron a los artistas de la primera parte de esta exposición, debido a que ahora están en todas partes. En este mismo momento hay una computadora en tus bolsillos: tu teléfono. También puedes tener una en tu casa. No se puede escapar de las computadoras, están en todas partes. Esto ha influido mucho en la forma en que los artistas se relacionan con estos aparatos, ya que tienen el lujo de que sean omnipresentes. Y los artistas no sólo pueden utilizar las computadoras como herramientas, sino que también pueden hacer referencia a las formas en que las computadoras han afectado a la cultura visual.

En la serie llamada gestos/datos (comentarios), las obras de Ken Okiishi reflexionan sobre los aspectos táctiles y estéticos de la pantalla en nuestras vidas.

Ken Okiishi: Hay un díptico de dos pantallas que son lienzos en constante movimiento. Así te das cuenta de que la pintura está en tu lado de la pantalla.

Cada vez que veo esta obra en persona la siento como un placer, como una forma de reconocer de que algo toca nuestro. . . es decir, de que el exterior de la pantalla, y el tipo de luz e imagen y espacio cerebral, en el interior de la pantalla, pueden suceder al mismo tiempo… algo que siempre lo percibo como . . . una pintura. Es muy extraño que las pinturas puedan hacer cosas que otros formatos no pueden.

Jamillah James: En los últimos años la pintura se ha disociado aún más de la mano o del cuerpo del artista. Los artistas no sólo subcontratan su trabajo a impresores o utilizan computadoras para producir su trabajo o escriben algoritmos para fabricar sus pinturas u otros tipos de objetos, sino que ocasionalmente también subcontratan este trabajo a otras personas.

La forma en que está organizada la muestra es una imagen especular de la primera parte de la muestra, que analiza cómo los artistas usaban las primeras computadoras y las primeras herramientas de producción de medios, como la máquina Xerox, y luego el final de la muestra, que trata sobre cómo los artistas están empezando a externalizar la producción de su trabajo a computadoras, impresoras, otras personas, etcétera. Y estas dos imágenes especulares están situadas en diferentes puntos de la historia. La muestra analiza la trayectoria y el avance de estas ideas desde la década de 1960 e incluso antes hasta el presente.

Un gran ejemplo, y una forma adecuada de cerrar la exposición, es escuchar a Petra Cortright hablar de su trabajo. Es la obra abstracta con grises, rojos y amarillos.

Petra Cortright: Mis pinturas están hechas en Photoshop. Cada pincelada que ves está básicamente en su propia capa separada. Así que la pintura es casi como un entorno. Está compuesto de cientos y cientos de pinceladas y capas. Tomo muchas fotografías de Internet y las descompongo en una especie de pintura, estiro los píxeles, los aplasto y los manipulo.

Vengo de una familia de artistas y tenía a mi disposición muchos materiales físicos y tradicionales para realizar obras de arte. Simplemente me aburrían un poco, por falta de una mejor palabra. Y encontré mucha libertad y flexibilidad al usar una computadora.

Jamillah James: En los últimos años, la pintura se ha disociado más y más de la mano y hasta de los cuerpos de los artistas. Estos no sólo dejan que su trabajo sea hecho por imprentas, así como utilizan computadoras para producir sus obras, o escriben algoritmos para fabricar sus pinturas u otros tipos de objetos, sino que en ocasiones también los artistas subcontratan a otras personas para [00:23 :00] este trabajo.

La forma en que está organizada la exposición es un reflejo de cómo los artistas utilizan las primeras computadoras y herramientas de producción de medios, como la máquina Xerox. Y ya hacia el final de la exposición esta explora el cómo los artistas empiezan a delegar la producción de su arte a las computadoras, impresoras, incluso a otras personas, etcétera, etcétera. Así, tenemos dos momentos que se sitúan en diferentes momentos de la historia del arte. Esta exposición examina la trayectoria y la progresión de estas ideas desde los años sesenta, e incluso antes, hasta la actualidad.

Un gran ejemplo, y una forma adecuada de cerrar la exposición, es escuchar a Petra Cortright hablar de su trabajo. Su obra es la abstracta con grises, rojos y amarillos.

Petra Cortright: Mis pinturas están hechas con Photoshop. Cada pincelada que ves está en su propia capa. Así que el cuadro es casi como un entorno. Está compuesto por cientos y cientos de pinceladas y capas. Tomo muchas fotografías de Internet y las descompongo en un cuadro. De esa forma tomo los píxeles y los estiro, aplasto y manipulo.

Vengo de una familia de artistas y tenía a mi disposición muchos materiales físicos y tradicionales. Sin embargo, estos me aburrían, a falta de una palabra mejor. Por eso con la computadora encontré mucha libertad y flexibilidad.

Laura Brothers: Mi nombre es Laura Brothers. Soy el creador detrás de la galería digital en línea conocida como out4pizza, un alias no intencionado, pero así es como la mayoría de la gente la conoce.

Comenzó como una especie de cuaderno de bocetos, una forma de jugar con las imágenes que tenía en mi cabeza.

Simplemente estaba haciendo subidas diarias de imágenes que hacía usando el software que tenía a mano, más específicamente, un software más antiguo que todavía creaba, por defecto, los tipos de imágenes que me interesaban en ese momento, que eran muy basadas en computadora, aparentemente hechas en una computadora.

Me gusta la tensión que se crea cuando uso estas herramientas obviamente digitales para crear algo que se supone que representa algo más analógico y orgánico. Simplemente se ve a alguien dibujando una salpicadura de pintura con MS Paint. Simplemente me gusta esa tensión y lo siniestro, supongo que de alguna manera se crea. Y creo que eso se relaciona con el hecho de que muchas de las imágenes que hago, como dije, tienen que ver con pensamientos caprichosos, juegos y ocio, y siento que dibujar todo en una computadora lo lleva a un estilo artístico más infantil o más popular que intelectual. Me gusta jugar con conceptos que son sofisticados, pero hacerlo de una manera popular y simplemente la relación que se forma a partir de eso.

Laura Hermanos: Me llamo Laura Hermanos. Soy la creadora detrás de la galería digital en línea que se conoce como AxUnaPizza, seudónimo involuntario, bueno, pero así es como la mayoría de la gente la conoce.

Empezó como una suerte de cuaderno con bocetos; una forma de jugar con las imágenes que tenía en mi cabeza.

Simplemente subía a diario imágenes que realizaba con un programa que tenía a mano, específicamente, un programa antiguo que seguía creando automáticamente el tipo de imágenes que me interesaban en ese momento, las cuales eran muy informáticas, evidentemente creadas en una computadora.

Me gusta la tensión que se crea al utilizar estas herramientas, obviamente digitales, para una creación, se supone, que representa algo más analógico y orgánico. Es como ver a alguien dibujando una mancha de pintura con MS Paint. Me gusta que haya algo tenso y extraño. Y creo que eso se relaciona con el hecho de que muchas de las imágenes que hago, como he dicho, tienen que ver con pensamientos caprichosos y con el ocio y el placer. Y siento que dibujar todo esto en una computadora lo acerca a un estilo artístico más infantil, uno más sencillo que cómodo. Me gusta jugar con conceptos deseables, pero de una manera sencilla. Me gusta ver la relación que se forma a partir de eso.