El regalo de la colección D.Daskalopoulos

Joseph Beuys, Celtic + ~~~~, 1971. Película (super 8), diez fotografías, frasco de vidrio con gelatina y cera de abeja, en caja forrada en tela, estampada con pintura marrón. Edición 6 de 100. 15 3/4 × 19 2/3 pulg. (cada fotografía); 6 1/2 × 3 pulg. (botella); 7 1/2 pulg. (diámetro, caja de película); 16 1/4 × 20 1/4 × 4 1/2 pulg. (caja cerrada); 36 1/2 × 20 1/4 × 4 1/2 pulg. (caja abierta). Donación de la Colección D.Daskalopoulos donada conjuntamente al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Solomon R. Guggenheim, 2022.146. Foto: Shelby Ragsdale, © MCA Chicago.

Celtic + ~~~~ es uno de los 187 "múltiplos" de Joseph Beuys incluidos en el regalo de la colección D.Daskalopoulos. Entre 1965 y 1986, Beuys produjo más de 500 objetos editados que varían en forma, material y número. Mientras que algunas ediciones incluían tan solo seis objetos, otras se produjeron sin cesar. Los múltiplos de Beuys fueron una parte importante de su práctica porque funcionaron como un vehículo directo a individual para las ideas del artista, que estaban profundamente informadas por su defensa social y ambiental. También permitieron que su obra se distribuyera más ampliamente de lo que era posible a través del mercado del arte tradicional.

Al igual que con Celtic + ~~~~, los objetos de Beuys a menudo estaban íntegramente vinculados a sus actuaciones, o lo que él denominaba Aktionen (acciones). Esta obra en particular es una maleta que contiene artefactos de una actuación de 1971 del mismo nombre durante la cual Beuys esparció grumos de gelatina en las paredes, la recogió y la vertió sobre su cuerpo. El frasco de vidrio de esta obra contiene parte de ese material gelatinoso, mientras que 10 fotografías y una película documentan la acción. El título de la obra hace referencia al pueblo celta de Escocia, cuya herencia cultural tuvo un gran impacto en las ideas artísticas de Beuys, especialmente en su creencia en los paisajes sagrados. La gelatina húmeda evoca las ciénagas de Escocia, a las que Beuys llamó "el último desierto europeo". Ambientalista, Beuys creía que una relación más estrecha con la naturaleza podría curar heridas sociales y políticas.

Robert Gober, Sin título, 1992. Cera de abejas, algodón, cuero, lengüetas de aluminio y cabello humano; 6 3/4 × 18 1/2 × 3 3/4 pulg. (17,1 × 47 × 9,5 cm). Donación de la Colección D.Daskalopoulos donada conjuntamente al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Solomon R. Guggenheim, 2022.70. Foto: Shelby Ragsdale, © MCA Chicago.

La escultura hiperrealista de Robert Gober de una pierna pequeña y separada apunta a las preocupaciones del artista sobre la vulnerabilidad corporal durante los días más oscuros de la pandemia del VIH/SIDA. "Era un hombre gay que vivía en el epicentro de la peor epidemia de salud del siglo XX en Estados Unidos", dijo, mientras era testigo de la enfermedad y la muerte en su comunidad circundante de la ciudad de Nueva York antes del desarrollo de medicamentos efectivos. Fundida en cera de abeja de color blanco amarillento, con pelos humanos reales adheridos a la superficie, no está claro si la pierna se presenta para un examen médico o para un coqueteo sexual. El compromiso de Gober con la ambigüedad es un recordatorio discordante de que la existencia es absurdamente frágil.

Damien Hirst, Saludos desde la cuneta/Evitar lo inevitable, 1994. Vidrio, acero, cilindros de gas, caucho, acrílico, MDF, máscara de gas, bolsas de solución salina y aguja; dimensiones variables. Donación de la Colección D.Daskalopoulos donada conjuntamente al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Solomon R. Guggenheim, 2022.75. © Damien Hirst y Ciencia Ltda. Todos los derechos reservados, DACS 2022. Vista de la instalación, Dream On, Parlamento Helénico + NEON, del 6 de agosto al 27 de noviembre de 2022. Foto © Natalia Tsoukala, cortesía NEON.

Greetings from the Gutter/Avoiding the Inevitable de Damien Hirst es una escultura compuesta por dos grandes tanques de vidrio y acero colocados con máscaras antigás, tubos de goma, bolsas de infusión, agujas y otros equipos hospitalarios. Hirst ha descrito la instalación como una máquina de la inmortalidad, diseñada con "todo lo que necesitas para vivir". A lo largo de la década de 1990, Hirst se hizo conocido internacionalmente por llenar esos tanques de vidrio con animales muertos suspendidos en formaldehído como recordatorios de nuestra mortalidad. Estos tanques comentan los esfuerzos del arte y la ciencia para evitar la inevitabilidad de la muerte.

Hirst creó por primera vez Greetings from the Gutter como la portada del álbum homónimo del músico pop Dave Stewart de 1995. Hirst recordó que Stewart, ex miembro de la banda Eurythmics, contó "sobre sus experiencias con las drogas y las cercanías a la muerte. Viviendo en el carril rápido y ganando mucho dinero muy rápido, consiguió toda esa basura que lo acompaña y sobrevivió". La suerte del rock and roll por engañar a la muerte se conmemora en esta obra de arte de temática médica, mientras que la octava pista del álbum de Stewart conmemora los tanques distintivos de Hirst. Titulada "Damien Save Me", la canción dice: "Damien sálvame / Y sé mi guía / Tarde o temprano / Todos vamos a morir / ... / Córtame por la mitad / Y te dejaré ver / Lo que todo este ancho mundo / Me ha hecho".

Wangechi Mutu, Exhumaning Gluttony (Another Requiem), 2006-11. Instalación de técnica mixta, pieles de animales, madera, botellas, vino, cinta de embalar, linóleo, pelo sintético y mantas; dimensiones variables; 140 × 434 × 177 pulg. (estructura general). Donación de la Colección D.Daskalopoulos donada conjuntamente al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Solomon R. Guggenheim, 2022.89. © Wangechi Mutu. Vista de la instalación, The Luminous Interval, Museo Guggenheim Bilbao, 12 de abril al 16 de octubre de 2011. Foto: Erika Ede.

Wangechi Mutu describe Exhuming Gluttony: Another Requiem como una "guarida de fábulas" en la que los espectadores pueden entrar y explorar. La estructura del tamaño de una habitación cuenta con botellas de vino tinto que cuelgan boca abajo del techo y salpican continuamente sobre una gran mesa redonda. Las paredes circundantes están decoradas con pieles de animales y agujeros de bala. La escena está destinada a evocar tanto un sacrificio como un festín codicioso que salió terriblemente mal. Según el artista, "la idea de que podemos cazar, comer, usar o consumir sin fin no es cierta. Hice esta obra de arte para advertir a los espectadores sobre las tendencias autodestructivas de la humanidad". Para subrayar este punto, los espectadores salen de la instalación a través de una cortina impresa con la imagen de un gran tumor. Nacido en Nairobi, Kenia, el trabajo de Mutu a menudo sirve como una crítica del poder político, especialmente la forma en que las naciones se han formado a través de la conquista violenta de la naturaleza, los animales y las personas.

Ana Mendieta, Sin título: Serie Silueta (Fábrica de pólvora), 1980. Película de super-8 mm transferida a medios digitales de alta definición, color, muda; dimensiones variables. Donación de la Colección D.Daskalopoulos donada conjuntamente al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Solomon R. Guggenheim, 2022.88. Foto: Museo Solomon R. Guggenheim.

La película Untitled: Silueta Series (Gunpowder Works) de Ana Mendieta presenta la quema de una escultura efímera del cuerpo silueteado de una mujer hecha de tierra y pólvora. En la obra muda, tres viñetas empalmadas en un carrete revelan la secuencia de la destrucción creativa de Mendieta, desde la escultura en el tranquilo suelo del bosque, hasta el destello de fuego, y luego las secuelas carbonizadas y humeantes.

Esta obra de arte da vida a los sentimientos de Mendieta como una persona desplazada nacida en Cuba y huérfana en la zona rural de Iowa, donde se rodó la película. Inspirándose en las tradiciones rituales de la santería afrocubana, la artista utilizó la tierra y el fuego para imaginar la liberación de su espíritu a su tierra natal. Como escribió Mendieta en un poema sin título de 1981: "En Cuba cuando mueres / la tierra que nos cubre / habla. / Pero aquí, / cubierto por la tierra de la que soy prisionero / siento la muerte palpitando debajo / de la tierra".

Mike Kelley, Sin título, 1990. 2 muñecos de trapo cosidos juntos; 30 1/4 × 3 1/8 pulg. (77 × 33 × 8 cm). Donación de la Colección D.Daskalopoulos donada conjuntamente al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Solomon R. Guggenheim, 2022.79. Foto: Shelby Ragsdale, © MCA Chicago.

Esta obra de arte de Mike Kelley presenta dos muñecas hechas a mano que han sido reconfiguradas como una escultura colgante en la pared. Visiblemente desgastadas y usadas, con manchas y un ojo faltante, las muñecas, que Kelley encontró en una tienda de segunda mano, atrajeron al artista como "construcciones adultas", su término para referirse a cómo un fabricante de juguetes proyecta las ideas del juego y la inocencia de la infancia en un juguete. Al acoplar las muñecas en esta nueva configuración, Kelley buscó emular las curiosidades naturales de los niños sobre temas como la intimidad sexual y el nacimiento. Kelley a menudo colocaba objetos familiares en escenarios extraños para avivar una sensación de lo siniestro.

Hablando sobre su propia experiencia infantil, Kelley recordó haber sido traumatizado por padres "muy religiosos, conservadores y emocionalmente reprimidos". "Fue un momento trágico para mí", dijo Kelley. "Puedes tratar de ir más allá de tu infancia y me cuesta hacerlo, pero si tuviste una mala infancia, estás atascado".