Forma de pronóstico: Arte en la diáspora caribeña, 1990, hoy

La década de 1990 fue una década de profundas transformaciones sociales y políticas, cuando los debates sobre la identidad y la diferencia se presentaron al frente y al centro. Forma de pronóstico: Arte en la diáspora caribeña, 1990. Hoy toma la década de 1990 como telón de fondo cultural, reuniendo obras de arte de treinta y siete artistas que viven en el Caribe o son de herencia caribeña, o cuyo trabajo está conectado con la región. La exposición está anclada en el concepto de diáspora, la dispersión de personas a través de la migración tanto forzada como voluntaria. Aquí, la diáspora no es un anhelo de regresar a casa, sino una forma de entender que siempre estamos en movimiento y que nuestras identidades están en constante estado de transformación. Esta idea se ve en las obras de arte que se muestran, que sugieren movimientos y viajes a través de formas, materiales y técnicas.

Elformulario de pronóstico también propone que el Caribe es una forma de pensar, ser y hacer eso se extiende más allá de sus fronteras geográficas, desafiando nuestras suposiciones sobre la cultura caribeña y su representación y reformulando la relación entre identidad y lugar. La exposición también presenta una idea a través de su título: que el Caribe inauguró el mundo moderno, y que las formas y su estética nos permiten analizar las historias y fuerzas que continúan dando forma a nuestro momento contemporáneo, desde la emancipación y los derechos humanos hasta el colonialismo y el cambio climático.

Elformulario de pronóstico está comisariado por Carla Acevedo-Yates, curadora de Marilyn y Larry Fields, con Iris Colburn, asistente curatorial, Isabel Casso, ex becaria curatorial de Susman, y Nolan Jimbo, miembro curatorial de Susman. La exposición está diseñada por SKETCH | Johann Wolfschoon, Panamá.

TERRITORIOS

El cuerpo es nuestra primera vivienda y el portador de nuestras historias personales y colectivas. La artista Zilia Sánchez, cuyo trabajo está en esta galería, declara: “Soy isla”, o “soy una isla”, repensando su propio cuerpo e identidad a través del lugar.

Aunque la palabra “territorio” a menudo se entiende como un concepto político, como naciones y fronteras fijas, también es una manera de describir los paisajes psíquicos, o mundos internos, que informan nuestras experiencias compartidas. Mientras que la diáspora comienza como el movimiento físico de las personas, su proceso da como resultado nuevos territorios personales, culturales e históricos. Los artistas de esta sección se acercan a estos territorios cambiantes usando procesos de transferencia, capas y ocultación. Algunos artistas toman el cuerpo como punto de partida para marcar el tiempo y el espacio a través del movimiento, mientras que otros crean paisajes abstractos tanto reales como imaginados.

RITMOS FORMALES

Todas las obras que se muestran aquí sugieren movimiento, no solo representando o capturando cuerpos en movimiento, sino también enfatizando el movimiento a través de elecciones formales, materiales y técnicas. Algunos artistas de esta sección expresan el dinamismo y la energía del movimiento usando el color y el gesto mientras oscilan entre formas reconocibles y abstractas. Otros incluyen el movimiento en sus procesos de creación artística, la transferencia de materiales de un lugar o superficie a otro. Cada una de estas estrategias artísticas es una metáfora de cómo las identidades están moldeadas por la transformación constante.

INTERCAMBIO

¿Cómo refleja la creación artística los intercambios transculturales? ¿Cómo migran los formularios y crean nuevas comprensiones de nuestro mundo enredado?

Históricamente, el Caribe ha sido un lugar de intercambio cultural y explotación económica, desde las plantaciones de la era colonial hasta las industrias turísticas y petroleras que sustentan la economía global actual. Culturalmente, el Caribe se reconfigura constantemente a través de migraciones y relaciones geopolíticas con el mundo árabe, Asia y las Américas, entre otras regiones. En las obras de esta sección, el lugar es difícil de localizar, ya que las geografías colapsan entre sí y las imágenes cuestionan orígenes e identidades fijos.

CREACIÓN DE IMÁGENES

Hacer imágenes y reusar imágenes a partir de archivos son formas importantes de crear y preservar la memoria. La fotografía de archivo y el video sirven para este propósito, y los artistas a menudo los usan como materiales de origen para crear obras que cuestionan las narrativas históricas dominantes. En esta galería, los artistas usan fotografías y videos existentes o crean sus propias imágenes para examinar la historia del activismo negro, las categorías raciales y la formación de identidad en diferentes ubicaciones, desde Gran Bretaña hasta Costa Rica, Estados Unidos, Jamaica y Haití.

PAISAJE

¿Qué esconde el paisaje? La exuberante, colorida y exuberante belleza del paisaje tropical a menudo oculta historias dolorosas y violentas. En lugar de representar estas historias de manera narrativa, los artistas a la vista en esta sección emplean diversas técnicas, a menudo representando la flora de un lugar, incluyendo árboles y plantas, así como jardines, para hacer referencia a historias de colonialismo, migración y extracción de recursos.

TRAZAS

La gente y los lugares están moldeados por el paso del tiempo, dejando rastros tanto vistos como no vistos. ¿Qué huellas quedan de las historias coloniales, grabadas en la memoria de los cuerpos, lugares y objetos?

El Caribe, como región geográfica, fue moldeado por el movimiento de cuerpos racializados y de género, primero como esclavitud de objetos de África y después como mano de obra de India, China y otros lugares. Los legados del colonialismo, el racismo y la violencia de género hieren tanto el cuerpo como el paisaje. En lugar de representar estas historias coloniales, los artistas de esta sección llaman la atención sobre las huellas que dejaron a través de objetos, materiales y gestos, que contienen tanto del pasado como del presente y el futuro.

Engel Leonardo (b. 1977, Baní, República Dominicana; vive en Santo Domingo, República Dominicana)

Jimayaco, 2017
Arcilla, esmalte, madera de Guayacán y oro aluvial

Esta instalación escultórica está inspirada en parte en el recuerdo de Engel Leonardo de observar a las mujeres extraer oro de ríos en Jimayaco, una ciudad en la provincia central de La Vega, República Dominicana. Sentado encima de dos de las esculturas hay cuencos que se asemejan a cacerolas mineras, que el artista ha llenado de arcilla, agua y piezas de oro, evocando aún más una forma de vida rural que ha desaparecido rápidamente. Las esculturas también se inspiran en Muñecas sin rostro, las muñecas artesanales sin rostro que surgieron como recuerdos en la República Dominicana en la década de 1980 y desde entonces se han convertido en un marcador reconocible de la dominicanidad. Contrastando los tonos oscuros de la madera Guayacán con los cuerpos de esmalte más claros de las Figuras, Leonardo comenta sobre cómo las construcciones de la identidad dominicana han sido moldeadas por la negación de la negrura en la República Dominicana, sustentada por los legados del colonialismo y la dictadura de Rafael Trujillo.

Colección privada

 

Félix Gonzalez-Torres (b. 1957, Guáimaro, Cuba; d. 1996, Miami, FL; vivió en Nueva York, NY)

“Sin título” (Norte), 1993
Bombillas, enchufes de luz de porcelana y cables eléctricos

“Juega con eso, por favor. Diviértete. Date esa libertad”. Estas son algunas de las reflexiones de Félix Gonzalez-Torres sobre el protocolo de instalación abierta para las veinticuatro obras de cuerdas ligeras que realizó entre 1992 y 1994, incluyendo “Untitled” (Norte).

Si bien el significado de estas obras también es abierto, el (Norte) en el título ofrece una manera de entender este trabajo. La curadora Nancy Spector propone que el título haga referencia al dicho cubano “el norte”, una descripción taquigráfica de todo lo que está al norte de la isla. Interpretada de esta manera, la obra, presentada aquí como una cortina de luz, imagina el “Norte” como una geografía cambiante y un ideal esquivo.

Colección Marieluise Hessel, Museo de Arte Hessel, Centro de Estudios Curatoriales, Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York

 

Sandra Brewster (b. 1973, Toronto, Canadá; vive en Toronto)

Wilson Harris: “Incluso en mi sueño, sabía que no debía renunciar al suelo”, transferencia de gel
basada en fotos 2022 en la pared

Wilson Harris: “Incluso en mi sueño, el terreno que sabía que no debía renunciar” es un retrato monumental del prolífico escritor nacido en Guyano Wilson Harris. Para que esto funcione, Sandra Brewster primero imprimió imágenes individuales de Harris en papel y las bañó en un medio de gel, después de lo cual las presionó contra la pared del museo. Se superponen entre sí, las imágenes en capas reflejan el estilo de escritura no lineal y no fijo de Harris. El proceso de transferencia de imágenes, que también incluye limpiar por la fuerza el papel y el pegamento, deja lo que Brewster llama “pliegues y lágrimas”, metáforas visibles de lo que se pierde y se gana a través de la migración. Después del cierre de esta exposición, el retrato de Harris, aunque lijado e invisible a la vista, permanecerá incrustado en la pared, un conmovedor recordatorio de las historias enterradas dentro de las instituciones culturales.

Comisión del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

 

Denzil Forrester (b. 1956, Granada; vive en Cornwall, Reino Unido)

Estroboscopio nocturno, 1985
Óleo sobre lienzo

A finales de los setenta y ochenta, en los oscuros y ahumados clubes nocturnos de Londres, Denzil Forrester dibujaba escenas sobre un montón de papel, registrando las energías, las luces y los movimientos de estos clubes. Trabajando rápido, cada dibujo solo tomaba la longitud de una sola canción para hacer; Forrester completó más de cuarenta dibujos cada noche. Forrester tradujo algunos de estos dibujos a pinturas dinámicas, como Night Strobe. A la sombra de la Gran Bretaña racista y xenófoba de Margaret Thatcher, el club, con rastros de carnaval y en auge con dub, blues, reggae y dancehall, era un espacio crucial de pertenencia.

La colección Rachofsky

 

Alia Farid (b. 1985, Ciudad de Kuwait, Kuwait; vive en la ciudad de Kuwait y San Juan, Puerto Rico)

Mezquitas de Puerto Rico, 2022
Lana, fibras vegetales y tintes naturales

El proceso y el tema de Mezquitas de Puerto Rico destacan las migraciones en curso pero poco reconocidas de personas, ideas y formas entre el mundo árabe y el Caribe. Los edificios representados aquí fueron fotografiados por primera vez por Alia Farid en varias ciudades de Puerto Rico, después de lo cual las imágenes fueron compartidas con tejedores en Mashhad, Irán. Los tejedores, a su vez, tradujeron las imágenes en un kilimúnico o alfombra de oración tradicional. Sin instrucciones detalladas de Farid, los tejedores interpretaron estas imágenes en un tapiz mientras agregaban sus propias “firmas”, como el intrincado borde hecho de granadas ornamentales.

Comisión del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

 

Christopher Cozier (b. 1959, Puerto España, Trinidad y Tobago; vive en Puerto España)

Gas Men, 2014 Video HD de
dos canales (color, sonido)
2 minutos, 7 segundos

Filmado en las orillas del lago Michigan, Gas Men de Christopher Cozier muestra a dos hombres con trajes de negocios empuñando boquillas de bomba de gas como vaqueros, interpretando estereotipos masculinos comunes a los westerns de películas B. Gran parte del trabajo de Cozier llama la atención sobre las influencias transculturales y las economías globales que han dado forma al Caribe. En este caso, el artista examina el impacto ambiental de las economías extractivas del petróleo, así como las condiciones sociales resultantes de siglos de dominio colonial, esclavitud, trabajo forzoso y, más recientemente, corrupción política posterior a la independencia en Trinidad. El sonido que acompaña al video, creado con la músico londinense Caroline Mai-Toby y la sitarista radicada en TrinidadSharda Patasar, presenta una sirena de ambulancia, que conjura aún más un contexto urbano moldeado por migraciones históricas y violencia contra los cuerpos racializados.

Cortesía del artista

El audio de esta obra de arte no contiene diálogos transcribibles.

 

David Medalla (b. 1942, Manila, Filipinas; d. 2020, Manila; vivió en Nueva York, NY, Londres, Inglaterra y París, Francia)

Cloud Canyons, 1963—2014
Metal, Perpex, compresores, temporizadores, agua y jabón

Cloud Canyons consiste en tubos de plástico que emiten burbujas de jabón, que rezuman hacia afuera y se tuercen en formas biomórficas. La constante reconfiguración de la espuma resuena con la experiencia del artista de migración de Filipinas a Nueva York a Londres. La escultura se inspiró en una variedad de experiencias personales de Medalla, que van desde las tiernas hasta las violentas, como ver a su madre hacer ginataan (platos cocinados en leche de coco), observar las nubes sobre el Gran Cañón mientras estaba en vuelo, presenciar espumaciones de sangre de la boca de un guerrillero moribundo y visitar una fábrica de jabón en Marsella.

Colección Diéresis

 

Marton Robinson (b. 1979, San José, Costa Rica; vive en Toronto, Canadá)

La Coronación de La Negrita, 2022 Pintura
de pizarra y tiza sobre lienzo

La serie de Marton Robinson El negro en Costa Rica toma su nombre de un libro escrito por Carlos Meléndez y Quince Duncan, que rastrea las historias de la población negra del país en Limón. En La Coronación de La Negrita, Robinson reimagina la portada del libro, incorporando varios símbolos e imágenes que hacen referencia a las historias de violencia racial que conectan el Caribe con los Estados Unidos.

Aquí, Robinson representa a la Virgen de los Ángeles, la patrona de Costa Rica. Ella está sosteniendo a un bebé destinado a parecerse a Cocorí, la protagonista principal de un libro infantil ilustrado escrito por Joaquín Gutiérrez que presenta representaciones racistas de costarricenses negros. La coronación de la patrona, la madre de Cocorí, es una referencia no solo a las tradiciones católicas sino también al coronar (usado, en términos de jerga, para significar “anotar a lo grande”), que en Costa Rica se refiere a ganar dinero encontrando los descartes del tráfico de drogas.

Comisión del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

 

Lorraine O'Grady (b. 1934, Boston, MA; vive en Nueva York, NY)

The Fir-Palm, 1991/2019 Impresión de
pigmento de archivo en papel de algodón puro Hahnemühle Baryta Photo Rag

En The Fir-Palm, un árbol inclinado emerge de la base de la espalda de una mujer negra. Este árbol es un compuesto de dos tipos: un abeto de Nueva Inglaterra y una palmera caribeña. Si bien cada uno de estos árboles está fuertemente asociado con diferentes regiones geográficas, su fusión alude a la experiencia de Lorraine O'Grady como la hija nacida en Boston de inmigrantes de las Indias Occidentales de Jamaica.

Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

 

Maksaens Denis (b. 1968, Puerto Príncipe, Haití; vive en Puerto Príncipe y Santo Domingo, República Dominicana)

Kwa Bawon, 2004 Estructura de
hierro con siete monitores
Sonido compuesto por Laurent Lettree

Las referencias a la muerte llenan los monitores en Kwa Bawon: imágenes de noticias y recortes que documentan la presidencia de Jean-Bertrand Aristide acompañan los nombres de periodistas y defensores de los derechos civiles que desaparecieron o fueron asesinados durante este tiempo. La turbulencia de la política haitiana se desangra en la volatilidad del clima del país, ya que Denis combina escenas de este período tumultuoso con secuencias analógicas abstractas e imágenes del huracán Jeanne, una tormenta de categoría 3 que azotó el Caribe en septiembre de 2004. El título de la obra y la configuración cruzada de los monitores alude al Barón Samedi, el loa (espíritu) de los muertos y guardián de los cementerios en el Voodoo haitiano (o Vodou).

Para aprender más sobre este artista, visita su sitio web: maksaens-denis.com.

Cortesía del artista

Esta obra de arte no contiene diálogos transcribibles. El audio consiste en ruidos electrónicos de baja frecuencia, canciones de Voodoo y ritmos de batería.

 

Daniel Lind-Ramos (b. 1953, Loíza, Puerto Rico; vive en Loíza)

Figura de Cangrejos, 2018—19
Acero, aluminio, clavos, ramas de palmeras, cocos secos, ramas, troncos de palmeras, arpillera, machete, cuero, cuerdas, lentejuelas, toldo, cuerdas de plástico, tela, alfileres, cinta adhesiva y acrílico

Figura de Cangrejos es un conjunto humano de objetos cotidianos reunidos en la ciudad natal del artista, Loíza, una comunidad fundada por Maroon en la costa noreste de Puerto Rico. Un rallador de coco sirve como cabeza y los martillos de garra pintados y las hojas de palma se extienden hacia afuera como apéndices, mientras que elementos como el tambor se refieren más ampliamente a las tradiciones rítmicas afrocaribeñas. Daniel Lind-Ramos recogió estos objetos de diversas maneras: sacándolos de las calles y de la costa, comprándolos a vendedores locales y recibiéndolos como regalos de amigos y conocidos. Todos estos objetos funcionan como repositorios de memoria personal e histórica, formando un retrato material de Loíza que reafirma la vitalidad de los espacios comunitarios negros.

Colección Benedicta M. Badia Nordenstahl

 

Suchitra Mattai (b. 1973, Georgetown, Guyana; vive en Los Ángeles, CA)

Una cuna del océano, saris
vintage 2022, tela y campanas de ghungroo

Un paisaje oceánico tejido a partir de saris hechos a mano vintage,
An Ocean Cradle de Suchitra Mattai alude al movimiento de muchas maneras. Recopilados de familiares y amigos que viven en toda la diáspora del sur de Asia, los saris no solo representan viajes y migración, sino que también hacen gestos hacia el movimiento a través del linaje. Se transmite habitualmente de generación en generación, los saris llevan los recuerdos y aromas de quienes los usaban antes.

Desde la década de 1830 hasta principios del siglo XX, oleadas de migrantes indios, incluidos los antepasados de Mattai, migraron a través del océano desde la India hasta la Guayana Británica (ahora Guyana) para trabajar como sirvientes por contrato en plantaciones de caña de azúcar. Una comunidad indo-guyanesa significativa permanece en Guyana hoy.

Cortesía del artista y Kavi Gupta

 

Rubem Valentim (b. 1922, Salvador, Brasil; d. 1991, São Paulo, Brasil; vivió en Salvador y São Paulo)

Objeto Emblemático, 1977 Madera
pintada

Las formas y símbolos blancos que componen Objeto Emblemático de Rubem Valentim son simplificaciones geométricas de orishas, deidades descendientes de tradiciones religiosas traídas a las Américas por comunidades yoruba esclavizadas de regiones de África occidental y central. La apariencia totémica de Objeto Emblemático hace referencia a formas tradicionales de escultura africana, así como a objetos producidos dentro de las comunidades afrobrasileñas, reconociendo su profunda influencia tanto en el paisaje cultural del país como en el propio artista, cuya propia herencia afrobrasileña influyó en gran parte de su obra.

Candomblé y Umbanda son dos religiones que se desarrollaron cuando las comunidades Yoruba esclavizadas necesitaban preservar sus propias creencias mientras los colonizadores portugueses obligaron a practicar el catolicismo en Brasil. Alinearon a los orishas yoruba con los santos católicos, creando una mezcla de religiones dispares que refleja la complejidad de la identidad en las comunidades afrobrasileñas.

Cortesía del artista, Mendes Wood DM São Paulo, Bruselas y Nueva York, y Almeida& Dale Galeria de Arte, Brasil

 

Adán Vallecillo (b. 1977, Danlí, Honduras; vive en Tegucigalpa, Honduras)

Superación #00, 2017
Grafito sobre papel de filtro reciclado

La Filtración #00 es parte del mayor cuerpo de trabajo de Adán Vallecillo que involucra filtros de aire y aceite redestinados procedentes de talleres de reparación de automóviles y maquinaria estacionada alrededor del Canal de Panamá durante su expansión 2009—16. Estos filtros atraparon la contaminación generada en la ciudad, así como de la construcción del canal. Apareciendo en la pared de la galería como una cicatriz o vena , la Suración #00 da forma a las prácticas violentas de la intervención estadounidense en Centroamérica y el Caribe. Al titular el trabajo después de la saturación de oxígeno, o el nivel de oxígeno en el torrente sanguíneo, Vallecillo invoca la región misma como un cuerpo y describe la extracción como un drenaje de la vida.

Cortesía del artista

 

Freddy Rodríguez (b. 1945, Santiago de los Caballeros, República Dominicana; d. 2022, Nueva York, NY; vivió en Nueva York, NY)

Mulato de tal, 1974
Acrílico sobre lienzo

En Mulato de tal, las líneas audaces se unen en formas geométricas zigzagueantes que juntas sugieren que la cabeza, el pecho y las piernas se tuerzan. A pesar de un parecido con la pintura de borde duro, que aspiraba a una geometría más impersonal y sistemática, los trazos de Freddy Rodríguez son mucho más gesturales, dejando huellas de su pincel que evidencian los movimientos de su mano. Pintado en Nueva York once años después de que Rodríguez dejara la República Dominicana tras el asesinato del dictador Rafael Trujillo, Mulato de tal es parte de una obra más amplia inspirada en los escritos de autores latinoamericanos sobre la política de la libertad y su potencial. Como sugiere su título, Mulato de tal responde a las taxonomías raciales impuestas por la brutal campaña contra la negrura de Trujillo.

Cortesía de Hutchinson Modern& Contemporary

 

Firelei Báez (b. 1981, Santiago de los Caballeros, República Dominicana; vive en Nueva York, NY)

el suave aire de la tarde mientras nos mantienes a todos en una sola muerte (Respirar lleno y libre: una declaración, una revisión, una corrección), 2021
Acril-gouache y chine collé en papel impreso de archivo

A través de esta instalación de ochenta y una obras individuales, Firelei Báez describe la vida de la reina de Haití, Marie-Louise Coidavid (1778—1851) y sus hijas. Coidavid y sus hijas se fueron de Haití después de la muerte de su esposo, Henri I, y vivieron en el exilio en Pisa, Italia. Varios de los otros intereses de Báez, incluyendo la flora y la fauna, la ciguapa (una mujer embaucada en el folclore dominicano), imágenes de protesta y mitología yoruba, están reunidos en los múltiples paneles de la instalación. Al intervenir directamente en material histórico de diferentes períodos de tiempo y geografías, Báez colapsa el tiempo y el espacio para centrarse en las historias globales de fugitividad y resistencia negra.

Cortesía del artista y la Galería James Cohan

 

Cosmo Whyte (b. 1982, St. Andrew, Jamaica; vive en Los Ángeles, CA)

Más allá de los límites, cortina de cadena de bolas de acero
niquelado 2022 Asistencia para el
estudio: Alex Adkinson e Iris Schaer

Beyond the Boundary muestra una imagen de 1984 de espectadores negros viendo un partido de cricket entre Inglaterra y las Indias Occidentales. Un hombre sostiene un cartel que dice “Lavado negro”, que es una jugada con el término de cricket “cal”, o cuando un equipo gana al menos tres partidos seguidos. “Blackwash” se usa a menudo en referencia a las cinco victorias consecutivas de las Indias Occidentales contra los ingleses en 1984, un evento importante para la gente del Caribe y su diáspora.

Como argumenta C. L. R. James, el cricket ha sido un escenario real y metafórico donde se desarrollan las dinámicas de poder más amplias del colonialismo y la anti-negrura. Al transferir imágenes de archivo, especialmente aquellas que representan la historia de la protesta y el activismo negro, a hilos de cuentas de acero niqueladas, Cosmo Whyte invita a los visitantes a “atravesar” la cortina y sentir el peso literal y metafórico transmitido a través de esas imágenes.

Comisión del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

 

ARRIBA

Álvaro Barrios (b. 1945, Barranquilla, Colombia; vive en Barranquilla)

El Mar de Cristóbal Colón, 1971/2022
Serigrafías, tendedero y pinzas de madera

Con más de cien serigrafías, El Mar de Cristóbal Colón de Álvaro Barrios desafía la autoridad del mapa colonial. Cada lado de las impresiones lleva un solo cuadrado monocromático. Los monocromos cian puros se refieren al Mar Caribe, un tropo visual que se ha usado repetidamente para definir la región, mientras que los monocromos rojos aparecen en las historias de violencia que a menudo se esconden bajo imágenes de los paisajes idílicos del Caribe.

Las impresiones están suspendidas de tendederos y aseguradas con pinzas de madera, recordando la exhibición de literatura de cordel (literatura cordel) en todo el noreste de Brasil. Estos folletos ilustrados, introducidos en Brasil por los portugueses durante la época colonial, normalmente se colgaban de cuerdas en la calle y estaban destinados al consumo diario de las masas.

Cortesía del artista y Henrique Faria Fine Art, Nueva York

 

Tavares Strachan (b. 1979, Nassau, Bahamas; vive en Nassau y Nueva York, NY)

A plena luz del día,
neón 2018

Al igual que otras instalaciones monumentales de neón de Tavares Strachan, In Broad Daylight usa un lenguaje abierto para provocar momentos de autorreconocimiento y reflexión. La frase “a plena luz del día” generalmente se invoca para describir actos violentos o ilegales que ocurren durante el día y son visibles para cualquier persona dentro de la vista. Ubicada en el contexto del MCA, la instalación también hace un gesto hacia la violencia cometida contra cuerpos negros, marrones e indígenas en las calles de Chicago, así como las narrativas a menudo excluidas de los museos.

Cortesía de la artista y la Galería Marian Goodman

 

Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL; vive en Nueva York, NY)

Rising (Lynched Land), 2020
Cobre, madera, arpillera y cuerda

En Rising (Lynched Land), la palmera, un símbolo asociado con las economías turísticas del Caribe, está suspendida del techo con una cuerda, que aparece como un cuerpo linchado. Es una metáfora dolorosa pero poderosa de las historias de colonialismo, violencia y saqueo ambiental que conectan el paisaje caribeño con el cuerpo colonialmente oprimido. El trabajo toma uno de los símbolos más circulados del caribeño, que contrariamente a la creencia popular no es nativo de la región, para aludir a las historias de destrucción y redención incrustadas dentro de su forma.

Cortesía del artista y Lehmann Maufin, Nueva York, Hong Kong, Londres y Seúl

 

Deborah Jack (b. 1970, Rotterdam, Países Bajos; vive en St. Maarten y Jersey City, NJ)

el fecundo, la exuberante y la tierra salada esperan una cosecha.. Su gente.. madura de promesas, espera hasta la próxima temporada, proyección de video HD de
siete canales 2022 con sonido y vinilo

En esta inmersiva instalación de dos habitaciones de Deborah Jack, tomas de exuberantes granadas naranjas se mezclan con el océano, el cielo y la costa. Filmado por la artista alrededor de la casa de su madre en St. Maarten, estas imágenes aparecen junto a imágenes de extracción de sal de un documental holandés de 1948 en la isla. Las granadas y la sal, ambos emblemas de muerte y renacimiento, comparten un legado común como productos básicos de la economía colonial en la región. Usando el movimiento, el color y el tiempo, la instalación de Jack sirve como una condena de la naturaleza destructiva de las economías basadas en la extracción de recursos, así como una recuperación de las culturas visuales y materiales del Caribe. Su trabajo complica la comprensión fija del Caribe, ofreciendo una invitación a la miríada de historias e identidades cambiantes que se mantienen dentro del paisaje mismo.

Comisión del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

Una transcripción de este trabajo está disponible en: mcachicago.org/forecastform. El audio consiste en una mujer hablando sobre la minería de sal cuando era joven, música de cuerda, extractos de un documental holandés de 1948 sobre San Martín y el sonido del océano.

 

Ana Mendieta (b. 1948, La Habana, Cuba; d. 1985, Nueva York, NY; vivió en Cuba, Iowa City, IA, Nueva York y Roma, Italia)

Sin título: Serie Silueta, México De Silueta Works en México, 1973—1977, 1974/91 Fotografía a
color

Colección Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, regalo de The Howard and Donna Stone Collection, 2002.46.3

 

Ana Mendieta (b. 1948, La Habana, Cuba; d. 1985, Nueva York, NY; vivió en Cuba, Iowa City, IA, Nueva York y Roma, Italia)

Sin título: Serie Silueta, México De Silueta Works en México, 1973-1977, 1976/91 Fotografía a
color

Colección Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, regalo de The Howard and Donna Stone Collection, 2002.46.10

 

Ana Mendieta (b. 1948, La Habana, Cuba; d. 1985, Nueva York, NY; vivió en Cuba, Iowa City, IA, Nueva York y Roma, Italia)

Sin título: Serie Silueta, México De Silueta Works en México, 1973-1977, 1976/91 Fotografía a
color

Colección Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, regalo de The Howard and Donna Stone Collection, 2002.46.4

 

Candida Álvarez (b. 1955, Brooklyn, NY; vive en Chicago, IL y Baroda, MI)

Pecho, ombligo, ojo, 1993
Litografía sobre papel blanco suave de Somerset

Cortesía de la artista y Monique Meloche Gallery, Chicago

 

Christopher Cozier (b. 1959, Puerto España, Trinidad y Tobago; vive en Puerto España)

¿Dem las cosas también muerden?, 2014-15
Tinta sobre papel

Cortesía del artista

 

Didier William (b. 1983, Puerto Príncipe, Haití; vive en Filadelfia, PA)

Grounds Malditos: Bordes Malditos, 2021
Acrílico, óleo, tinta y tallado en madera en panel

Colección privada

 

Donna Conlon y Jonathan Harker (b. 1966, Atlanta, GA; b. 1975, Quito, Ecuador; vive en la ciudad de Panamá, Panamá)

The Voice Adrift (Voz a la deriva), video
HD 2017 (color, sonido)
5 minutos, 41 segundos

Cortesía de los artistas y DiabloRosso, Panamá

El audio de esta obra de arte no contiene diálogos transcribibles. El audio consiste en el sonido de la lluvia, el agua que fluye y el trueno. También se puede escuchar un susurro ininteligible cada vez que se abre la botella de agua.

 

Donna Conlon y Jonathan Harker (b. 1966, Atlanta, GA; b. 1975, Quito, Ecuador; vive en la ciudad de Panamá, Panamá)

Zincfonía tropical (Zincfonía tropical), video
HD 2013 (color, sonido)
1 minuto, 45 segundos

Cortesía de los artistas y DiabloRosso, Panamá

El audio de esta obra de arte no contiene diálogos transcribibles. El audio consiste en el sonido de mangos rodando sobre láminas de zinc corrugado.

 

Donna Conlon y Jonathan Harker (b. 1966, Atlanta, GA; b. 1975, Quito, Ecuador; vive en la ciudad de Panamá, Panamá)

Efecto dominó (Efecto dominó), video
HD 2013 (color, sonido)
5 minutos, 13 segundos

Cortesía de los artistas y DiabloRosso, Panamá

El audio de esta obra de arte no contiene diálogos transcribibles. El audio consiste en el sonido de ladrillos en cascada seguido por el chapoteo del ladrillo final cayendo al agua.

 

Ébano G. Patterson (b. 1981, Kingston, Jamaica; vive en Chicago, IL y Kingston)

... los lamentos... Nos guía a casa... Y hay un barrigón en la tierra... , 2021
Técnica mixta sobre tapiz fotográfico tejido Jacquard y papel tapiz de vinilo personalizado

Cortesía de la artista y Monique Meloche Gallery, Chicago

 

Félix Gonzalez-Torres (b. 1957, Guáimaro, Cuba; d. 1996, Miami, FL; vivió en Nueva York, NY)

“Sin título”,
cartelera de 1995

Cortesía de la finca de Félix Gonzalez-Torres

 

Félix Gonzalez-Torres (b. 1957, Guáimaro, Cuba; d. 1996, Miami, FL; vivió en Nueva York, NY)

“Sin título” (Pasaporte), 1991
Papel, suministro sin fin

Por favor, toma solo uno.

Colección Marieluise Hessel, Museo de Arte Hessel, Centro de Estudios Curatoriales, Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York

 

Frank Bowling (b. 1934, Bartica, Guyana; vive en Londres, Reino Unido)

Bartica, 1968—69 Pintura
acrílica y tinta serigrafiada sobre lienzo

Sheldon Inwentash y Lynn Factor, Toronto

 

Julien Creuzet (b. 1986, Le Blanco-Mesnil, Francia; vive en París, Francia)

es un día triste
en Morne à l'eau
volcán cuerpo volcán
tumor estado de ánimo charco de
sangre
maldito dulce media luna
maldito plátano negro podrido
hoy no más sonrisa
¿te gusta mi
fábrica inglesa de plátanos?
Pesticida
en el
pecho de mi madre Checkmate hospital
tropical ¿
curarás en el barco de
contenedores de la paz
en medio del
racimo racimo cuerpo corteza
terror transportarás mi
Ocean
Racher, tout du dedans bien
pris en dedans
racher, tout tout fuera tou pris dans
le dedans (Papúa Nueva Guinea), 2021 Acero
cortado con láser

Cortesía del artista y DOCUMENT, Chicago, IL

 

Julien Creuzet (b. 1986, Le Blanco-Mesnil, Francia; vive en París, Francia)

es un día triste
en Morne à l'eau
volcán cuerpo volcán
tumor estado de ánimo charco de
sangre
maldito dulce media luna
maldito plátano negro podrido
hoy no más sonrisa
¿te gusta mi
fábrica inglesa de plátanos?
Pesticida
en el
pecho de mi madre Checkmate hospital
tropical ¿
curarás en el barco de
contenedores de la paz
en medio del
racimo racimo cuerpo corteza
terror transportarás mi
Ocean
Racher, tout du dedans bien
pris en dedans
racher, tout tout fuera tou pris
dans le dedans (Virginia), 2021 Acero
cortado con láser

Cortesía del artista y DOCUMENT, Chicago, IL

 

Julien Creuzet (b. 1986, Le Blanco-Mesnil, Francia; vive en París, Francia)

Encrucijada, video
HD 2022 (color, sonido)
7 minutos, 35 segundos

Cortesía del artista y DOCUMENT, Chicago, IL

El audio de esta obra consiste en música producida por el artista y alguien que recita la palabra hablada en criollo martinicano.

 

Keith Piper (b. 1960, Malta; vive en Londres, Inglaterra)

Vientos alisios, 1992
Video, audio y cajas de madera

Cortesía del artista
El audio de esta obra consiste en vientos aulladores, así como extractos de la canción “Columbus” de Burning Spear y el documental de 1984 Africa: A Voyage of Discovery. Una transcripción de este trabajo está disponible en: mcachicago.org/forecastform.

 

Lorraine O'Grady (b. 1934, Boston, MA; vive en Nueva York, NY)

El extraño taxi: de África a Jamaica a Boston en 200 años, 1991/2019 Impresión de
pigmento de archivo en papel de algodón puro Hahnemühle Baryta Photo Rag

Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

 

Peter Doig (b. 1959, Edimburgo, Escocia; vive en Londres, Inglaterra y Puerto España, Trinidad y Tobago)

Cortina Negra (Hacia la Isla de los Monos), 2004
Óleo sobre lino

Colección Mima y César Reyes

 

ARRIBA

Rafael Ferrer (b. 1933, San Juan, Puerto Rico; vive en Long Island, NY)

Ciclón en el Mar de la China, 1977
Óleo y esmalte sobre acero, alambre y madera

Colección Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, regalo de Earl y Betsy Millard, 1991.35.a-b

 

Tomm El-Saieh (b. 1984, Puerto Príncipe, Haití; vive en Miami, FL)

Cursive Grid, 2017—18
Acrílico sobre lienzo

Colección de Nancy y David Frej

 

Zilia Sánchez (b. 1926, La Habana, Cuba; vive en San Juan, Puerto Rico)

Lunar con tatuaje, c. 1968—69
Acrílico y tinta sobre lienzo

Zilia Sánchez esculpe formas que sugieren tanto un cuerpo como un paisaje. Como un conjunto de círculos concéntricos, Lunar con Tatuaje recuerda un pecho y un pezón, así como la forma de la luna. Con los ojos cerrados, Sánchez dibujó intuitivamente una composición de líneas serpenteantes en la superficie del lienzo, una técnica de tatuaje que la artista llama la furia (la furia). Rastrean la migración del artista después de la Revolución Cubana de La Habana a Madrid, Nueva York y San Juan.

El Museo de Bellas Artes, Houston; compra del museo financiada por la gala y subasta de la experiencia latinoamericana 2022, 2022.183

 

Joscelyn Gardner (b. 1961, Barbados; vive en Ontario, Canadá)

Coffea Arábica (Clarissa) de Creole Portraits III: “Bajando las flores”., 2011

Manihot flabellifolia (Old Catalina) de Creole Portraits III: “Bajando las flores”., 2011

Convolvulus jalapa (Yara) de Creole Portraits III: “Bajando las flores”., 2010

Poinciana pulcherrima (Lilith) de Creole Portraits III: “Bajando las flores”., 2009

Veronica frutescens (Mazerine) de Creole Portraits III: “derribar las flores”., 2009

Todo funciona litografía coloreada a mano en Mylar esmerilado

Estas cinco obras son parte de los retratos criollos III de Joscelyn Gardner: “derribar las flores”., una serie de trece retratos de mujeres afrocaribeñas esclavizadas. Aquí, cada mujer está representada por un enredo único de cabello trenzado, un collar de esclavos y una planta capaz de inducir el aborto.

Creole Portraits III responde a los diarios del supervisario inglés de plantaciones del siglo XVIII Thomas Thistlewood. En sus diarios, Thistlewood detalló los miles de actos de agresión sexual, violación y otras formas de tortura que cometió contra personas esclavizadas en la plantación de Egipto en Westmoreland, Jamaica. Cada uno titulado después de un aborto natural y el nombre de una mujer esclavizada mencionado en los diarios de Thistlewood, los retratos de Gardner concuerdan con una historia de resistencia que Thistlewood no comentó, pero que, sin embargo, persistió: cómo las mujeres esclavizadas consumían plantas para terminar con embarazos no deseados y ejercer control sobre sus propios cuerpos.

Colección Chocolate Cortés

La década de 1990 fue una de transformaciones más intensas sociales y políticas, cuando los debates en torno a la identidad y la diferencia se cuparon un lugar Destacado. Forma de pronóstico: Arte en la diáspora caribeña, 1990. Hoy toma la década de 1990 como su escenario cultural, reuniendo las obras de treinta y siete artistas o bien que viven en el Caribe o que son de una herencia caribeña, o bien sus obras están relacionadas a la región. La exhibición está anclada en el concepto de la diáspora, o mar, la dispersión de las personas a través de la migración tanto a través de la migración tanto a la vez como como Voluntaria. Aquí, la diáspora no es un anhelo de regresar a casa sino una manera de Comprender que siempre estamos en movimiento y que nuestras identidades son estados de transformación. Esta idea se capta en las obras de arte exhibidas, las cuales suman el movimiento y el viaje a través de formas, materiales y técnicas.

Formulario de pronóstico también plantea que el Caribe es una manera de pensar, ser y hacer, la cual se Extienda más allá de sus fronteras geográficas, desafiando nuestras suposiciones sobre la cultura caribeña y su representación y redefiniendo la relación entre la identidad y el lugar. La exhibición también presenta una idea a través de su título: que el Caribe inauguró al mundo moderno, y que las formas y sus estéticas nos dejan analizar las historias y las fuerza que siguen moldeando nuestro momento contemporáneo, desde la emancipación y los derechos humanos hasta el colonialismo y el cambio Climático.

Formulario de pronóstico es comisariada por Carla Acevedo-Yates, Curadora titular de Marilyn y Larry Fields, con Iris Colburn, Asistente curatorial, Isabel Casso, Becaria previa del programa curatorial Susman, y Nolan Jimbo, Becario del programa curatorial Susman. La exhibición es diseño por SKETCH | Johann Wolfschoon, Panamá.

TERRITORIOS

El cuerpo es nuestra primera vivienda y el Portador de historias nuestras personales y colectivas. La artista Zilia Sánchez, sus obras son en esta sala, declaró: “Soy isla”, replanteó su propio cuerpo e identidad a través de un lugar.

Aunque la palabra “territorio” se entienda mayormente como un concepto político, como las naciones y las fronteras fijas, también es una forma de detallar los panoramas psíquicos, o mar los mundos interiores, los cuales dicen nuestras experiencias comunes. A pesar de que la diáspora, está siendo el movimiento físico de las personas, los resultados de su proceso son nuevos Territorios personales, culturales e históricos. Los artistas en esta sección investigan estos Territorios movedizos mediante procesos que usen la transferencia, las capas y la disimulación. algunos de los artistas toman el cuerpo como un punto de partida para dar el paso del tiempo y el espacio a través del movimiento, mientras que otros crear paisajes abstractos, tanto reales como imaginados.

RITMOS FORMALES

Todas las obras aquí presenta el movimiento—no solo plasmando o capturando los cuerpos en pleno movimiento sino también resaltando el movimiento a través de las Decisiones Formales, los materiales y las técnicas. algunos de los artistas en esta sección se dan el dinamismo y la energía del movimiento utilizando el color y los gestos mientras oscilan entre las formas reconocibles y las abstractas. Otros de ellos son el movimiento en sus procesos de crear obras de arte, transriendo los materiales de un lugar o una superficie a otro/a. Cada una de estas estrategias artísticas consta de una Metáfora de Cómo las identidades se Forman mediante la transformación Constante.

INTERCAMBIO

¿Cómo es que la creación de obras de arte, los intercambios interculturales? ¿Cómo las formas han alcanzado emigrar y crear nuevos entendimientos de nuestro mundo enentramado?

Interalmente, el Caribe ha sido un lugar para el intercambio cultural y la operación económica, desde las plantaciones de la época colonial hasta las industrias del turismo y del petróleo que sustentan la economía mundial de hoy en día. En lo que a la cultura, el Caribe Sigue en un proceso de reconfiguración a través de la migración y las relaciones geopolíticas con el mundo árabe, Asia y las Américas, entre otras regiones. En las obras de esta sección, el lugar es difl de identificar, ya que las geografías se entrehacen entre sí y las imágenes se presentan en duda los orígenes y las identidades fijos/as.

CREACIÓN DE IMÁGENES

Crear imágenes y readaptar imágenes archivadas son maneras importantes de formar y conservar la memoria. Tanto la fotografía como el video de descargar archivo para este propósito y los artistas los utilizar a menudo como los materiales de partida para crear obras que cuestionan las narrativas historicas Dominantes. En esta sala, los artistas o bien, usa fotografías y videos disponibles o bien, creas sus propias imágenes para investigar la historia del activismo negro, de las categoría y en la formación de la identidad en distintas lugares—desde Gran Bretaña a Costa Rica, a los Estados Unidos, Jamaica y Haití.

PAISAJE

¿Qué cosas oculta el paisaje? La belleza abundante, multicolor y abundante del paisaje tropical por lo que se reprimió a la vez historias violentas y violentas. En lugar de transmitir estas historias en modos narrativos, los artistas presentados en esta sección se recurra a diversas técnicas—un menudo plasmando la flora de un lugar, incluso los árboles y las plantas, además de los jardines—para referir a las historias del colonialismo, la migración y la salida de recursos.

RASTROS

Las personas y los lugares se se desarollo según el paso del tiempo, deponiendo tanto los astros visibles como invisibles. ¿Cuáles son los astros de las historias coloniales, los que se marcan en la memoria de los cuerpos, los lugares y los objetos?

El Caribe, como una región geográfica, se desarrollo a través del movimiento de los cuerpos según su género y su raza, primero con los esclavizados de África degradados al nivel de los bienes muebles y después con los trabajadores de la India, China y otros lugares con un contrato de servicio. Los legados del colonialismo, el racismo y la violencia de género hieren tanto al cuerpo como al paisaje. A la vez de plasmar estas historias coloniales, los artistas en esta sección llaman la Atención a los Rastros que estas dejó a través de los objetos, los materiales y los Gestos, los cuales, los cuales, tanto del pasado como presente y del futuro.

Engel Leonardo (n. 1977, Baní, República Dominicana; vive en Santo Domingo, República Dominicana)

Jimayaco, 2017
Arcilla, esmalte, madera guayacán y oro aluvial

Esta instalación escultórica es parte de inspiración por los recuerdos de Engel Leonardo de ver a las mujeres buscar el oro en los ríos de Jimayaco, un pueblo de la provincia central de la República Dominicana, La Vega. Montado al tope de dos de las esculturas hay unos recipientes que parecen a los que se usan para extrir el oro que el artista ha llenado de arcilla, agua y partes de oro, evocando así aun más un modo de vida campestre que se ha ido desapareciendo rápidamente. Las esculturas también se inspiran por las Muñecas sin rostro, las muñecas artesanales sin cara que surgieron como recuerdos turísticos en la República Dominicana durante la década de 1980 y desde entonces se han hecho en un marcador reconocible de la dominicanidad. Al contrastar los tonos oscuros de la madera guayacán con los cuerpos de las figuras de color claro y esmaltados, Leonardo comenta sobre como las construcciones de la identidad dominicana han sido influenciadas por el rechazar de la negritud en la República Dominicana, sustentado por los legados del colonialismo y de la dictadura de Rafael Trujillo.

Colección privada

 

Félix González-Torres (n. 1957, Guáimaro, Cuba; f. 1996, Miami, FL; Vivido en Nueva York, NY)

“Sin título” (Norte), 1993
Bombillas, portalámparas de porcelana y cables eléctricos

“Juega con ello, por favor. Diviértete. Fecha esa libertad”. Estasson algunas de las reflexiones de Félix González-Torres sobre el protocolo de instalación abierta de las veinticuatro obras de cuerdas de luces que él realizó entre 1992 y 1994, entre ellas “Sin título” (Norte).

Aunque el significado de estas obras también está abierto a interpretación, el (Norte) en el título ofrece una manera de entender esta obra de arte. La curadora Nancy Spector propone que el título hace una Referencia al dicho cubano “el norte”, una descripción breve para todo lo que esté al norte de la isla. Interpretada así, la obra de arte—presente aquí como una cortina de luz—imagina al “norte” como una geografía cambiante y un esquivo ideal.

Colección Marieluise Hessel, Museo de Arte Hessel, Centro de Estudios Curatoriales, Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York

 

Sandra Brewster (n. 1973, Toronto, Canadá; vive en Toronto)

Wilson Harris: “Incluso en mi sueño, sabía que no debía renunciar”, 2022
Transferencia de fotografía a la pared con gel

Wilson Harris: “Incluso en mi sueño, sabía que no debía renunciar” es un retrato monumental del prolífico escritor nacido en Guyana, Wilson Harris. Para realizar esta obra de arte, Sandra Brewster primero imprimió imágenes de Harris en varios papeles y las bañó en un medio gel, tras lo cual las presionó sobre la pared del museo. Superpuestas unas a otras, las capas de imágenes del propio estilo de escritura de Harris sin ración y no lineal. El proceso de la transferencia de las imágenes, que además incluye restregando la pared con fuerza para el papel y el pegamento, deja lo que Brewster le llama “Pliques y desgarros”, unas Metáforas visibles de lo que se perdía y se gana mediante la migración. Después de que esta exhibición termine, el retrato de Harris, aun si lijado e invisible a los ojos, se conserva incrustado en la pared, un reflejo de las historias en el fondo de las instituciones culturales.

Comisión de Museo de Arte Contemporáneo Chicago

 

Denzil Forrester (n. 1956, Granada; vive en Cornualles, Reino Unido)

Luz estroboscópica nocturna, 1985
Ole sobre lienzo

A finales de la década de 1970 y en los 80, fue dentro de las oscuras, las tiendas de Londres, el humo que Denzil Forrester bozó sus escenas sobre una pila de papel, grabando las enerías, las luces y los Movimientos de estas. Trabajando ápidamente—cada dibujo le tomaba terminarlo no más de lo que duraba una sola canción—Forrester completaba más de cuarenta dibujos cada noche. Forrester convirtió algunos de estos dibujos en pinturas, tales como Strobe Nocturna. Bajo la sombra de la Bretaña racista y xenófoba de Margaret Thatcher, la discoteca, con senderos del carnaval y resonando con la música dub, blues, reggae y dancehall, era un espacio crucial para el sentido de pertenencia.

La colección Rachofsky

 

Alia Farid (n. 1985, Ciudad de Kuwait, Kuwait; vive en la ciudad de Kuwait y San Juan, Puerto Rico)

Mezquitas de Puerto Rico, 2022
Lana, fibras de plantas y Tintes Naturales

El proceso y el tema de Mezquitas de Puerto Rico destaca la actual pero poco marcada migración de las personas, las ideas y las formas entre el mundo árabe y el Caribe. Los edificios plasmados aquí primero fueron fotografiados por Alia Farid en varios pueblos de Puerto Rico, tras lo cual las imágenes fueron comentadas con tejedores en Mashhad, Irán. Los tejedores a su vez, las imágenes a un kilim único, o sea, una alfombra de oración tradicional. Sin tener unas instrucciones explicadas de Farid, los tejedores interpretaron estas imágenes por medio de un tapicero, a la vez que se le añadía sus propias características distintivas, como el borde intrincado hecho de granadas ornamentales.

Comisión de Museo de Arte Contemporáneo Chicago

 

Christopher Cozier (n. 1959, Puerto España, Trinidad y Tobago; vive en Puerto España)

Gas Men, 2014
Vídeo de alta definición (HD) de dos canales (color, sonido)
2 minutos, 7 segundos

Filmado a orillas del lago Michigan, el video Gas Men de Christopher Cozier muestra a dos hombres vestidos en trajes de negocios gesticulando como si fueran Vaqueros con unas bombas de gasolina, imitando los estotos masculinos típicos vistos en las películas Westerns (del antiguo oeste) de bajo presupuesto. Una gran parte de las obras de Cozier llama la Atención a las Infusiones Transculturales y a las Edades Globales Que Han Moldeado al Caribe. En este caso, el artista investiga el impacto ambiental de las economías de sacarlo el petróleo, además de las condiciones sociales que han de ser un error tras siglos del dominio colonial, la esclavitud, la labor y la corrupción política en Trinidad post-independencia. El sonido que se ve acompañado al video, hecho con la compositora Caroline Mai-Toby de Londres y la sitarista Sharda Patasar de Trinidad, incluye la sirena de una ambulancia, lo que evoca aun más un contexto urbano formado por las migraciones históricos y la violencia contra los cuerpos racializados.

Por Cortesía del Artista

El audio de esta obra de arte no contiene un diálogo que se puede transcribir.

 

David Medalla (n. 1942, Manila, Filipinas; f. 2020, Manila; Vivio en Nueva York, NY, Londres, Inglaterra, y París, Francia)

Cloud Canyons, 1963—2014
Metal, Perpex, Compresores, Cronómetros, Agua y Jabón

Cloud Canyons consiste en unos tubos plásticos que hacen burbujas de jabón, las cuales se supuren hacia afuera y se retuercen en unas formas biomórficas. La reconfiguración de la espuma de la permanente muestra la propia experiencia del artista al emigrar de las Filipinas a Nueva York a Londres. Medalla fue inspiración a crear la escultura por varias experiencias personales que contrastan de un extremo tierno a otro violento, como ver a su madre, elaborar ginataan (recetas con una base de leche de coco), observar las nubes sobre el Gran Cañón en pleno vuelo, ver de primera mano la sangre brotando de la boca de un guerrillero moribundo y visitar una fábrica de jabón en Marsella.

Colección Diéresis

 

Marton Robinson (n. 1979, San José, Costa Rica; vive en Toronto, Canadá)

La Coronación de La Negrita, 2022
Pintura de pizarra y tiza sobre lienzo

La serie de Marton Robinson El negro en Costa Rica toma su nombre de un libro escrito por Carlos Meléndez y Quince Duncan que marca las historias de la población negra del país en la ciudad de Limón. En La Coronación de La Negrita, Robinson reimagina la portada del libro, incorporando varios símbolos e imágenes que recuerda a las historias de la violencia racial que conectado el Caribe a los Estados Unidos.

Aquí, Robinson es la Virgen de los Ángeles, la Santa Patrona de Costa Rica. Ella aguanta un bebé que representa a Cocorí, el principal de un libro infantil ilustrado de Joaquín Gutiérrez que presenta las manifestaciones racistas de los costarricenses negros. La coronación de la santa patrona, la madre de Cocorí, se relaciona no solo a las tradiciones católicas sino también a “coronar” que, en Costa Rica, se relaciona a ganar dinero al encontrar los descartes del narcotráfico.

Comisión de Museo de Arte Contemporáneo Chicago

 

Lorraine O'Grady (n. 1934, Boston, MA; vive en Nueva York, NY)

La palma de abetos,
1991/2019 Impresión con imagen de archivo sobre papel Hahnemühle Baryta Photo Rag de algodón puro

En La palma de abetos, un árbol torcido aflora de la base de la espalda de una mujer negra. Este árbol es una combinación de dos tipos: un abeto de Nueva Inglaterra y una palma del Caribe. Aunque cada uno de estos árboles está muy asociado con diferentes regiones geográficas, su fusión alude a la experiencia de Lorena O'Grady siendo la hija nacida en Boston de inmigrantes jamaiquinos con orígenes en las Indias Occidentales.

Por la Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

 

Maksaens Denis (n. 1968, Puerto Príncipe, Haití; vive en Puerto Príncipe y Santo Domingo, República Dominicana)

Kwa Bawon, 2004
Estructura de hierro con siete Monitores
Sonido compuesto por Laurent Lettree

Las referencia a la muerte se nuesten los Monitores en Kwa Bawon—las imágenes y los recortes de las noticias que documentaron la presidencia de Jean-Bertrand Aristide, que se ofrece a los nombres de los periodistas y los defensores de los derechos civiles desaparecieron o fueron asesinados durante esta época. La turbulencia de la política haitiana se difunde a la inestabilidad del clima del país, así como Denis Combine escenas de esta etapa tumultuosa con secuencias analógicas abstractas e imágenes del Huracán Jeanne, un ciclón de categoría 3 que le bajó sobre el Caribe en septiembre de 2004. El título de la obra de arte y la configuración de los Monitores en forma de un crucifijo aluden a Barón Samedi, el loa (espíritu) de los muertos y el guardián de los cementerios, según el vudú haitiano.

Para saber más sobre este artista, visita su sitio web: maksaens-denis.com

Por Cortesía del Artista

Esta obra de arte no contiene un diálogo que se puede transcribir. El audio está en unos sonidos electrónicos de baja frecuencia, unas canciones de vudú y los sonidos de tambores.

 

Daniel Lind-Ramos (n. 1953, Loíza, Puerto Rico; vive en Loíza)

Figura de Cangrejos, 2018—19
Acero, aluminio, clavos, ramas de palma, cocos secos, ramas, Troncos de Palma, arpillera, machete, piel, sogas, lentejuela, toldo, cuerdas de plástico, tela, alfileres, cinta adhesiva para Tubería y Pintura Acrílica

Figura de Cangrejos es un grupo de objetos de uso diario montados en forma humana, recogidos en el pueblo de Loíza donde vive el artista, que consta de una comunidad de origen cimarrón en la costa Noreste de Puerto Rico. Un rallador de coco sirve de cabeza y unos martillos y unas hojas de palma pintadas se prolongan hacia fuera como unos apéndices, mientras que elementos como el tambor se retienen a las tradiciones rítmicas afrocaribeñas. Daniel Lind-Ramos reunió estos objetos de distintas maneras: recogiándolos por las calles y en la costa, comprándolos de vendedores locales y recibiándolos como regalos de sus amigos y gente conocida. Todos estos objetos son como repositorios, tanto de la memoria personal como de la histórica, así que forma un retrato material de Loíza que remanifiesta la vitalidad de los espacios de la comunidad negra.

Colección Benedicta M. Badia Nordenstahl

 

Suchitra Mattai (n. 1973, Georgetown, Guyana; vive en Los Ángeles, CA)

Una cuna del océano,
Saris vintage 2022, tela y campanas para ghungroo

Un paisaje oceánico formado por saris tejidos vintage hecho a mano, An Ocean Cradle de Suchitra Mattai alude al movimiento de varias maneras. Recolectados de sus familiares y de amigos que forma parte de la diáspora del sur de Asia, los saris no solo mencionan el viajar y la migración, sino que también indico un movimiento a lo largo del linaje. Los legados de generación en generación, los saris, los recuerdos y los aromas de los que se los llevó puestos anteriormente.

Desde alrededor de 1830 hasta la primera década de 1900, varias olas de migrantes indios—entre ellos los antepasados de Mattai—emigraron cruzando el océano desde la India hasta la Guyana Britanda (Guyana hoy en día) para laborar en las plantaciones de caña de azúcar bajo un contrato de servidumbre. Sigo existe una numerosa comunidad indo-guyanés en la Guyana de hoy en día.

Por la Cortesía de la Artista y Kavi Gupta

 

Rubem Valentim (n. 1922, Salvador, Brasil; f. 1991, São Paulo, Brasil; vivo en Salvador y São Paulo)

Objeto Emblemático, 1977
Madera pintada

Las formas y los símbolos blancos que se encuentran en Objeto Emblemático de Rubem Valentim son simplificaciones de los orishas—las deidades que proceden de las tradiciones religiosas que las comunidades esclavizadas de yoruba trajeron a las Américas desde las regiones occidentales y centrales de África. El aspecto totémico de Objeto Emblemático alude a los estilos tradicionales de la escultura africana así como a los objetos utilizados por las comunidades afrobrasileñas, reconociendo su influencia profunda tanto sobre el paisaje cultural del país como sobre el propio artista, cuyo legado afrobrasileño tuvo una influencia sobre muchas de sus obras de arte.

El candomblé y la umbanda son dos significados que se desarrolla cuando las comunidades esclavizadas de yoruba necesitaban conservar sus propias opiniones mientras fueron obligadas a hacer el catolicismo por los colonizadores portugueses en Brasil. Ellos alinearon los orishas yorubas con los santos Católicos, así una mezcla entre unas religiones dispares, la cual se ve lo complejo que es la identidad dentro de las comunidades afrobrasileñas.

Por Cortesía del artista, de Mendes Wood DM São Paulo, Bruselas y Nueva York y de la Almeida& Dale Galeria de Arte, Brasil

 

Adán Vallecillo (n. 1977, Danlí, Honduras; vive en Tegucigalpa, Honduras)

SURTACIÓN #00, 2017
Grafito sobre papel de filtro reciclado

Saturación #00 forma parte de un conjunto más grande de obras de arte de Adán Vallecillo se base en reutilizar los filtros de aire y de aceite de los mecánicos de automóviles y de la maquinaria estacionada por alrededor del Canal de Panamá durante su aumento de 2009—16. Estos filtros atraparon la contaminación por la ciudad y además por la construcción del canal. Se presenta sobre la pared de la sala como una cicatriz o una vena, la Abatión #00 da forma a las prácticas violentas del intervencionismo americano en Centroamérica y el Caribe. Al Escoja un título evocador de la Saturación de Ogén, o sea, el nivel de Ogén en el torrente sanguíneo, Vallecillo invoca el sentido de que la misma región es como un cuerpo y describe la exclamación como un drenaje de la vida en sí.

Por Cortesía del Artista

 

Freddy Rodríguez (n. 1945, Santiago de los Treinta Caballeros, República Dominicana; f. 2022, Nueva York, NY; Viviren en Nueva York)

Mulato de tal, 1974
Álíctico sobre lienzo

En Mulato de tal, unas líneas pronunciadas se unen para crear unas formas de manera que zigzaguean de manera que juntas parece ser una cabeza, un pecho y unas piernas que son girando. Un pesar de tener un estilo de pintura de borde duro (pintar con líneas Precisas), la cual aspiraba a una geometría más impersonal y sistemática, la pincelada de Freddy Rodríguez es mucho más gestual, dejar unos vestigos de su pincel que dan prueba de los Movimientos de su mano. Pintada en Nueva York una vez años después de que Rodríguez se fue de la República Dominicana tras el asesinato del dictador Rafael Trujillo, Mulato de tal es una del conjunto de sus obras de arte inspiradas por los escritos de autores latinoamericanos sobre la política de la libertad y su potencial. Como, iníciese su título, Mulato de tal, le da la cuenta a las taxonomías de raza por la brutal campaña anti-negra de Trujillo.

Por Cortesía de Hutchinson Moderno& Contemporáneo

 

Firelei Báez (n. 1981, Santiago de los Caballeros, República Dominicana; vive en Nueva York, NY)

el suave aire de la tarde mientras nos retienes a todos en una sola muerte (Respirar lleno y Libre: una declaración, una revisión, una corrección), 2021
Acril-gouache y chine collé sobre papel con una impresión de imagen de archivo

A través de esta instalación de ochenta y una obras de arte individuales, Firelei Báez describe las vidas de la reina de Haití, María-Luisa Coidavid (1778—1851), y de sus hijas. Coidavid y sus hijas huyeron de Haití tras la muerte de su marido, Enrique I, y vivieron exiliadas en Pisa, Italia. Varios otros de los intereses de Báez, como la flora y la fauna, la “ciguapa” (una embaucadora en el folclore dominicano), las imágenes de la protesta y la mitología yoruba, se encuentran en los múltiples paneles de la instalación. Al intervenir en los materiales históricos de diferentes temporadas y geografías, Báez colapsa el tiempo y el espacio para focar en las historias mundiales de la fugacidad y la resistencia de la población negra.

Por la Cortesía de la artista y Galería James Cohan

 

Cosmo Whyte (n. 1982, San Andrés, Jamaica; vive en Los Ángeles, CA)

Más allá de los límites, 2022
Cortina de cadena de bolas de acero niqueladas
Asistencia en el estudio: Alex Adkinson e Iris Schaer

Beyond the Boundary presenta una imagen de 1984 con espectadores negros viendo un partido de Críquet entre Inglaterra y las Indias Occidentales. Un hombre aguanta un cartel que dice Lavado negro, lo cual es un juego de palabras con el tiempo de crítico de cal, o mar, Cuando un equipo gana una serie de al menos tres partidos. Se usa a menudo para referir a las cinco éxitos consecutivas de las Indias Occidentales sobre los ingleses en 1984, un hecho importante para la gente del Caribe y su diáspora. Como afirma C. L. R. James, el críquet ha sido una arena tanto real como metafórica en la cual se desarollar las mayores del poder del colonialismo y de la anti-negritud. Al descargar las imágenes de archivo, especialmente las que plasman la historia de la protesta y el activismo de la población negra, sobre hilos de perlas de acero niqueladas, Cosmo Whyte invita a los visitantes a “superar” la cortina y a sentir el peso literal y metafórico que transmita estos tipos de imágenes.

Comisión de Museo de Arte Contemporáneo Chicago

 

Álvaro Barrios (n. 1945, Barranquilla, Colombia; vive en Barranquilla)

El Mar de Cristóbal Colón, 1971/2022
Serigrafías, tenandero y colgadores de madera

Al Presentar más de cien impresiones de serigrafía, El Mar de Cristóbal Colón de Álvaro Barrios desafía la personalidad del mapa colonial. Cada cara de las impresiones lleva un solo cuadro monocromático. Los monocromos de color puro cian se basan al Mar Caribe, un tropo visual que se ha hecho uso varias y más bien para definir la región, mientras que los monocromos rojos desvelan las historias de violencia que con la que son ocultas tras las imágenes de los paisajes idílicos del Caribe.

Las impresiones son colgando de unos tendederos y son adas con colgadores de madera, remembran la exhibición de “literatura de cordel” por todo el Noreste de Brasil. Estos folletos ilustrados, importados a Brasil por los portugueses durante la época colonial, solían colgarse en cordones por las calles para el consumo diario de la población.

Por Cortesía del artista y Henrique Faria Faria Art, Nueva York

 

Tavares Strachan (n. 1979, Nassau, Bahamas; vive en Nassau y Nueva York, NY)

A plena luz del día, 2018
Neón

Al igual que las otras instalaciones de neón monumentales de Tavares Strachan, In Broad Daylight se encuentra un lenguaje abierto para dar momentos de autorreconocimiento y reflexión. La frase “a plena luz del día” se usa para invocar para detallar a los actos ilegales o ilegales que se hacen durante el día y a la vista de cualquiera. En el contexto del MCA, la instalación también hace un gesto hacia la violencia cometida contra los cuerpos negros, morenos e indígenas por las calles de Chicago, así como hacia las narrativas que son excluidas de los museos.

Por Cortesía del artista y la Galería Marian Goodman

 

Teresita Fernández (n. 1968, Miami, FL; vive en Nueva York, NY)

Rising (tierra linchada), 2020
Cobre, madera, arpillera y soga

En Rising (tierra linchada), la palma, un simbolo que se encuentra con las economía turcas del Caribe, está colgando del techo con una cuerda, que se encuentra como un caño linchado. Es una metfora dolorosa pero impactante de las historias del colonialismo, la violencia y el saqueo ambiental que conecta el paisaje caribeño al cuerpo oprimido por el colonialismo. La obra de arte figura uno de los símbolos más difundidos del Caribe, que contrario a la opinión popular no es indígena de la región, a fin de aludir a las historias de destrucción y redención que se integran en su forma.

Por Cortesía de la artista y Lehmann Mauin, Nueva York, Hong Kong, Londres y Seúl

 

Deborah Jack (n. 1970, Rótde, Paises Bajos; vive en San Martín y Jersey City, NJ)

la tierra fecunda, la exuberante y la tierra salada esperan una cosecha.. Su gente.. madura de promesa, espera hasta la próxima temporada, 2022
Proyección de video de alta definición (HD) de siete canales con sonido y vinilo

En esta instalación sumersiva de dos salas por Deborah Jack, unas imágenes de exuberantes granadas de color naranja se compara con el océano, el cielo y la costa. Filmadas por la artista en los alrededores de la casa de su madre en San Martín, estas imágenes se presentan junto con unas imágenes de minas de sal de un documental alemán de 1948 sobre la isla. Las granadas y la sal, ambos emblemas de la muerte y el renacimiento, compartir un legado común como productos de la economía colonial en la región. Uso el movimiento, el color y el tiempo, la instalación de Jack, la instalación de Jack, las características destructivas de las consunciones, y además reclama las culturas visuales y materiales del Caribe. Su obra complica las traducciones fijas del Caribe, que ofrece una invitación a la gran número de historias e identidades que el propio paisaje alberga.

Comisión de Museo de Arte Contemporáneo Chicago
El audio está en una mujer que habla sobre extraviar sal de joven, música de cuerda, unos extos de un documental Holandés de 1948 sobre San Martín y el sonido del océano. Una transcripción para esta obra de arte está disponible en: mcachicago.org/forecastform.

 

Ana Mendieta (n. 1948, La Habana, Cuba; f. 1985, Nueva York, NY; ViVio en Cuba, Iowa City, IA, Nueva York y Roma, Italia)

Sin título: Serie Silueta, México De Silueta Works en México, 1973—1977, 1974/91
Fotografía en color

Colección Museo de arte contemporáneo Chicago, donación de La colección Howard y Donna Stone, 2002.46.3

 

Ana Mendieta (n. 1948, La Habana, Cuba; f. 1985, Nueva York, NY; ViVio en Cuba, Iowa City, IA, Nueva York y Roma, Italia)

Sin título: Serie Silueta, México De Silueta Works en México, 1973-1977, 1976/91
Fotografía en color

Colección Museo de arte contemporáneo Chicago, donación de The Howard y Donna Stone Collection, 2002.46.10

 

Ana Mendieta (n. 1948, La Habana, Cuba; f. 1985, Nueva York, NY; ViVio en Cuba, Iowa City, IA, Nueva York y Roma, Italia)

Sin título: Serie Silueta, México De Silueta Works en México, 1973-1977, 1976/91
Fotografía en color

Colección Museo de arte contemporáneo Chicago, donación de The Howard and Donna Stone Collection, 2002.46.4

 

Candida Álvarez (n. 1955, Brooklyn, NY; vive en Chicago, IL, y Baroda, MI)

Mama, ombligo, ojo, 1993
Litografía sobre papel blanco suave Somerset

Por la Cortesía de la artista y la Monique Meloche Gallery, Chicago

 

Christopher Cozier (n. 1959, Puerto España, Trinidad y Tobago; vive en Puerto España)

¿Dem las cosas también muerden?, 2014-15
Tinta sobre papel

Por Cortesía del Artista

 

Didier William (n. 1983, Puerto Príncipe, Haití; vive en Filadelfia, PA)

Motivos malditos: Fronteras malditas, 2021
Acrito, óleo, tinta y tallado de madera sobre panel

Colección privada

 

Donna Conlon y Jonathan Harker (n. 1966, Atlanta, GA; n. 1975, Quito, Ecuador; viven en Ciudad de Panamá, Panamá)

La voz a la deriva (Voz a la deriva), 2017
Vídeo de alta definición (HD) (color, sonido)
5 minutos, 41 segundos

Por Cortesía de los artistas y DiabloRosso, Panamá

El audio de esta obra de arte no contiene un diálogo que se puede transcribir. El audio está en los sonidos de la lluvia, agua fluyente y truenos. también se puede escuchar un Susurro ininteligible Cuando se abre la botella de agua.

 

Donna Conlon y Jonathan Harker (n. 1966, Atlanta, GA; n. 1975, Quito, Ecuador; viven en Ciudad de Panamá, Panamá)

Zincfonía tropical (Zincfonía tropical), 2013
Vídeo de alta definición (HD) (color, sonido)
1 minuto, 45 segundos

Por Cortesía de los artistas y DiabloRosso, Panamá

El audio de esta obra de arte no contiene un diálogo que se puede transcribir. El audio está integrado en el sonido de unos mangos rodando sobre una chapa de zinc corrugada.

 

Donna Conlon y Jonathan Harker (n. 1966, Atlanta, GA; n. 1975, Quito, Ecuador; viven en Ciudad de Panamá, Panamá)

Efecto dominó (Efecto dominó), 2013
Vídeo de alta definición (HD) (color, sonido)
5 minutos, 13 segundos

Por Cortesía de los artistas y DiabloRosso, Panamá

El audio de esta obra de arte no contiene un diálogo que se puede transcribir. El audio está en el sonido de unos ladrillo que cae en cascada, lo siguiente por el chapoteo del último ladrillo al caer al agua.

 

Ébano G. Patterson (n. 1981, Kingston, Jamaica; vive en Chicago, IL y Kingston)

.. Los lamentos... Nos guía a casa... y hay un barrigón en la tierra... , 2021
Materiales Mixtos sobre tejido fotográfico en jacquard y papel de vinilo a medida

Por la Cortesía de la artista y la Monique Meloche Gallery, Chicago

 

Félix González-Torres (n. 1957, Guáimaro, Cuba; f. 1996, Miami, FL; Vivido en Nueva York, NY)

“Sin título”, 1995
Cartelera

Por Cortesía del Estate de Félix González-Torres

 

Félix González-Torres (n. 1957, Guáimaro, Cuba; f. 1996, Miami, FL; Vivido en Nueva York, NY)

“Sin título” (Pasaporte), 1991
Papel, Suministro interminable

Por favor toma solo uno.

Colección Marieluise Hessel, Museo de Arte Hessel, Centro de Estudios Curatoriales, Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York

 

Frank Bowling (n. 1934, Bartica, Guyana; vive en Londres, Reino Unido)

Bartica, 1968—69
Pintura Acrílica y Tinta Serigrafiada sobre Lienzo

Sheldon Inwentash y Lynn Factor, Toronto

 

Julien Creuzet (n. 1986, Le Blanco-Mesnil, Francia; vive en París, Francia)

es un día triste
en Morne à l'eau
volcán cuerpo volcán
tumor estado de ánimo charco de
sangre
maldito dulce media luna
maldito plátano negro podrido
hoy no más sonrisa
¿te gusta mi
fábrica inglesa de plátanos?
Pesticida
en el
pecho de mi madre Checkmate hospital
tropical ¿
curarás en el barco de
contenedores de la paz
en medio del
racimo racimo cuerpo corteza
terror transportarás mi
Ocean
Racher, tout du dedans bien
pris en dedans
racher, tout tout fuera tou pris en
le dedans (Papúa Nueva Guinea), 2021
Acero cortado con láser

Por Cortesía del Artista y DOCUMENTO, Chicago, IL

 

Julien Creuzet (n. 1986, Le Blanco-Mesnil, Francia; vive en París, Francia)

es un día triste
en Morne à l'eau
volcán cuerpo volcán
tumor estado de ánimo charco de
sangre
maldito dulce media luna
maldito plátano negro podrido
hoy no más sonrisa
¿te gusta mi
fábrica inglesa de plátanos?
Pesticida
en el
pecho de mi madre Checkmate hospital
tropical ¿
curarás en el barco de
contenedores de la paz
en medio del
racimo racimo cuerpo corteza
terror transportarás mi
Ocean
Racher, tout du dedans bien
pris en dedans
racher, tout tout fuera tou pris
en le dedans (Virginia), 2021
Acero cortado con láser

Por Cortesía del Artista y DOCUMENTO, Chicago, IL

 

Julien Creuzet (n. 1986, Le Blanco-Mesnil, Francia; vive en París, Francia)

Encrucijada, 2022
Vídeo de alta definición (HD) (color, sonido)
7 minutos, 35 segundos

Por Cortesía del Artista y DOCUMENTO, Chicago, IL

El audio de esta obra de arte está plasmada en música por el artista y recitando palabra hablada el criollo de Martinica.

 

Keith Piper (n. 1960, Malta; vive en Londres, Inglaterra)

Vientos alisios, 1992
Vídeo, audio y cajones de madera

Por Cortesía del Artista

El audio de esta obra de arte está presente en unos vientos soplando muy además de unos extractos de la canción “Colón” de Lanza ardiente y del documental de 1984 Africa: A Voyage of Discovery (África: un viaje de descubrimiento). Una transcripción para esta obra de arte está disponible en: mcachicago.org/forecastform.

 

Lorraine O'Grady (n. 1934, Boston, MA; vive en Nueva York, NY)

El extraño taxi: de África a Jamaica y Boston en 200 años, 1991/2019
Impresión con un producto de imagen de archivo sobre papel Hahnemühle Baryta Photo Rag de puro algodón

Por la Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

 

Peter Doig (n. 1959, Edimburgo, Escocia; vive en Londres, Inglaterra, y Puerto España, Trinidad y Tobago)

Cortina Negra (Hacia la Isla de los Monos), 2004
Oleóleo sobre lino

Colección Mima y César Reyes

 

ARRIBA

Rafael Ferrer (n. 1933, San Juan, Puerto Rico; vive en Long Island, NY)

Ciclón en el Mar de la China, 1977
Óle y esmalte sobre acero, alambre y madera

Colección Museo de arte contemporáneo Chicago, donación de Earl y Betsy Millard, 1991.35.a-b

 

Tomm El-Saieh (n. 1984, Puerto Príncipe, Haití; vive en Miami, FL)

Cuadrícula cursiva, 2017—18
Ándico sobre lienzo

Colección de Nancy y David Frej

 

Joscelyn Gardner (n. 1961, Barbados; vive en Ontario, Canadá)

Coffea Arábica (Clarissa) de Creole Portraits III: “derribar las flores”.., 2011

Manihot flabellifolia (Old Catalina) de Creole Portraits III: “Derribar las flores”., 2011

Convolvulus jalapa (Yara) de Creole Portraits III: “Bajando las flores”.., 2010

Poinciana pulcherrima (Lilith) de Creole Portraits III: “Bajando las flores”., 2009

Veronica frutescens (Mazerine) de Creole Portraits III: “derribar las flores”.., 2009

Litografías coloreadas a mano sobre Mylar esmerilado

Estasobras de arte forman parte de la serie de Joscelyn Gardner, Retratos criollos III: “derribar las flores”., la cual consiste en un conjunto de trece retratos de mujeres afrocaribeñas esclavizadas. Aquí, un enredo particular de un Peinado Trezando, un collar de esclava y una planta que pueda de ser el aborto representa a cada mujer.

Retratos criollos III , a los diarios del capataz de una Plantación Inglesa del Siglo Dieciocho, Thomas Thistlewood. En sus diarios, Thistlewood detalló unas millas de actos de violencia sexual, violación y otros tipos de tortura que él cometió en contra de las personas esclavizadas en la Egipto Plantación de Westmoreland, Jamaica. Cada uno titulada con el nombre de un abortivo natural y de una mujer esclavizada nombrada en los diario de Thistlewood, los retratos de Gardner abortan una historia de resistencia no referida por Thistlewood pero que, sin embargo, persististió: cómo las mujeres esclavizadas consumieron Ciertas plantas para los embarazos no desaparecidos y ejerce el control sobre sus propios cuerpos.

Colección Chocolate Cortés